Australia ha producido uno de los cines LGBTQ+ más consistentes fuera de Estados Unidos y Europa. A lo largo de las últimas décadas, el cine LGBTQ+ australiano ha desarrollado una identidad propia marcada por su incursión en el cine independiente, su sensibilidad hacia el contexto social y una evolución constante hacia formas más diversas de representación. Aunque cuenta con producciones anteriores, fue en la década de 1990 que comenzó a consolidarse como una corriente visible en el panorama internacional.
Su representación temprana de las identidades LGBTQ+ y su exploración de temas como la identidad, la masculinidad y la transición de género le aseguraron una fuerte presencia en festivales y reconocimiento internacional. La película “Las aventuras de Priscilla, reina del desierto (The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert) resultó fundamental en este proceso, no solo por su éxito internacional, sino por su capacidad para introducir en el imaginario popular elementos de la cultura drag y queer a través de una narrativa franca, humorística y, al mismo tiempo, crítica.
Uno de los rasgos más distintivos del cine LGBTQ+ australiano es su exploración de la masculinidad en el contexto australiano, principalmente, en entornos rurales o de clase trabajadora. Australia posee una tradición cultural fuertemente vinculada a ideales de virilidad, lo que ha generado tensiones narrativas fértiles para el desarrollo de historias gais. Películas como “Holding the Man” o “The Sum of Us” abordan estas tensiones desde perspectivas íntimas, mostrando cómo la identidad sexual y la aceptación se negocian en espacios tradicionalmente heteronormativos.
Otra temática relevante del cine australiano es el de las historias de transición a la edad adulta (coming-of-age) que han encontrado en el cine independiente un espacio particularmente propicio. Obras como “Monster Pies” o “My First Summer” se centran en el descubrimiento personal, el deseo y la vulnerabilidad, recurriendo a estéticas minimalistas y a ritmos narrativos pausados que privilegian la introspección. Estas películas suelen alejarse del dramatismo excesivo para construir atmósferas íntimas donde los silencios, los paisajes y los gestos adquieren un peso significativo.
Con algunas excepciones destacadas, el cine australiano se ha inclinado históricamente hacia las producciones centradas en personajes gais. Sin embargo, en años recientes, ha mostrado una apertura hacia una mayor diversidad de identidades y experiencias. La inclusión de personajes lésbicos, bisexuales, trans y no binarios ha contribuido a ampliar el espectro narrativo y a desplazar parcialmente el centro de las historias del sufrimiento hacia guiones que también incorporan el humor, la cotidianidad y la celebración.
En comparación con otras cinematografías, como la estadounidense o la europea, el cine LGBTQ+ australiano ocupa una posición intermedia que combina accesibilidad narrativa con una sensibilidad destacada. En conjunto, este cine puede entenderse como un espacio de negociación entre la identidad, el territorio y la cultura que, aunque diverso en estilos y temáticas, mantiene una coherencia basada en la honestidad emocional y la exploración crítica de la identidad.
52 Tuesdays / 52 Martes
Es una producción de drama de 2013 dirigida por Sophie Hyde, coescrita por Sophie Hyde y Matthew Cormack y producida por Sophie Hyde junto a Bryan Mason y Matthew Cormack. Está protagonizada por Tilda Cobham-Hervey, Del Herbert-Jane, Sam Althuizen e Imogen Archer en una propuesta que mezcla actores profesionales y no profesionales. La película aborda temas como la identidad y transición de género, la sexualidad, la estructura familiar y los vínculos afectivos desde una perspectiva íntima y experimental.
La historia sigue a Billie (Tilda Cobham-Hervey), una adolescente cuya vida cambia radicalmente cuando su madre (Del Herbert-Jane) decide iniciar una transición de género y vivir como hombre, adoptando el nombre de James. Como parte de este proceso, madre e hija acuerdan verse únicamente los martes durante un año. A través de estos encuentros semanales, la película explora cómo ambos personajes lidian con el cambio, la distancia emocional y el crecimiento personal, mientras Billie atraviesa su propio despertar sexual y emocional en un entorno complejo y cambiante.
La película tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2014, donde recibió una destacada acogida, y posteriormente se proyectó en múltiples festivales internacionales antes de su estreno en cines en Australia ese mismo año. La película ganó el premio a Mejor dirección en la sección Cine Dramático Internacional en Sundance, así como un premio especial del jurado por su elenco. La estructura innovadora de la película, filmada durante 52 semanas reales, y su representación respetuosa y compleja de la identidad trans fueron destacadas por la crítica.
Boy Erased / Corazón borrado
Es una película de 2018 producida en colaboración por Australia, Estados Unidos y China. Fue dirigida por Joel Edgerton, coescrita por Joel Edgerton y Garrard Conley y producida por Joel Edgerton, Kerry Kohansky-Roberts y Steve Golin. Está protagonizada por Lucas Hedges, Nicole Kidman, Russell Crowe y el propio Joel Edgerton. Basada en las memorias de Garrard Conley, la película aborda temas como la identidad sexual, la religión, la familia, la represión y las terapias de conversión, explorando el conflicto entre fe y orientación sexual.
La historia sigue a Jared (Lucas Hedges), un joven criado en una familia bautista en Estados Unidos, cuya vida cambia cuando es obligado por sus padres a asistir a un programa de terapia de conversión destinado a modificar su orientación sexual. En este entorno coercitivo, Jared es sometido a diversas prácticas psicológicas y emocionales que buscan reprimir su identidad. A medida que avanza el relato, el protagonista comienza a cuestionar tanto la legitimidad del programa como las creencias que lo sustentan, enfrentándose a su familia y luchando por derecho a ser él mismo.
Boy Erased tuvo su estreno mundial en 2018 en el Festival de Cine Telluride, seguido de su presentación en el Festival Internacional de Cine de Toronto y su posterior estreno en cines en Estados Unidos y otros países. La película recibió críticas generalmente positivas y obtuvo varias nominaciones en premios internacionales, destacando la nominación al Globo de Oro a Mejor canción original. La cinta contribuyó a visibilizar los daños de las terapias de conversión y a fortalecer el debate público sobre los derechos LGBTQ+, especialmente en contextos religiosos.
Ellie & Abbie (& Ellie’s Dead Aunt)
Es una comedia romántica de 2020 escrita y dirigida por Monica Zanetti y producida por Mahveen Shahraki y Patrick James. Está protagonizada por Marta Dusseldorp, Sophie Hawkshaw, Zoe Terakes y Julia Billington. A través de una trama sencilla y humorística, la película aborda temas como la identidad sexual, el primer amor adolescente, el reconocimiento y declaración de la sexualidad, la aceptación familiar y la conexión intergeneracional dentro de la comunidad LGBTQ+.
La historia sigue a Ellie (Sophie Hawkshaw), una adolescente tímida que está enamorada de su compañera de clase Abbie (Zoe Terakes), pero que lucha con sus sentimientos y con asumir públicamente su identidad. Su vida da un giro inesperado cuando el espíritu de su tía Tara (Julia Billington), una lesbiana fallecida que nunca pudo vivir abiertamente su orientación, aparece para ayudarla. A través de esta relación sobrenatural, Ellie gana confianza para invitar a Abbie al baile escolar y enfrentarse a sus miedos.
Se estrenó en el Festival de Cine Mardi Gras 2020 y después se presentó en varios festivales internacionales antes de su distribución en cines y plataformas digitales en Australia e internacionalmente. La película fue bien recibida por su tono optimista y su representación positiva del amor lésbico adolescente. Ha sido reconocida en festivales LGBTQ+ por ofrecer una narrativa poco frecuente dentro del cine australiano: una historia LGBTQ+ juvenil centrada en la alegría, el humor y la posibilidad de un futuro más inclusivo.
Gayby Baby
Es un documental de 2015 dirigido por Maya Newell y producido por Charlotte Mars. La película sigue durante tres años y medio a cuatro niños, Gus, Ebony, Matt y Graham, mientras crecen en familias con padres del mismo sexo. Su directora, que creció en un hogar homoparental lésbico, señaló que quería darles voz a los niños en medio del debate público sobre el matrimonio y la adopción por las parejas del mismo sexo en Australia. A través de una mirada íntima y cotidiana a la vida de los menores, la obra aborda la diversidad familiar, la infancia y la discriminación.
La historia se construye a partir de la observación de la vida diaria de los cuatro niños, cada uno con aspiraciones y desafíos propios: desde el sueño de convertirse en luchador profesional o destacar en el deporte hasta la pasión por la música. A medida que el documental avanza, se evidencian tanto los momentos de alegría y normalidad como las tensiones derivadas del estigma social y las discusiones públicas sobre los derechos LGBTQ+. Sin adoptar un tono confrontativo, la película permite que las experiencias de los niños hablen por sí mismas, desmontando prejuicios a través de la empatía.
Tuvo su estreno mundial en 2015 en el Festival Internacional Canadiense de Documental Hot Docs y se exhibió en otros festivales internacionales antes de su estreno en cines en Australia. Recibió varios premios y reconocimientos, incluyendo galardones del público en festivales. La obra generó polémica en el país, especialmente cuando algunas proyecciones escolares fueron inicialmente restringidas, pero contribuyó de manera significativa a la conversación pública sobre las familias homoparentales en Australia, humanizando el debate en torno a la igualdad matrimonial y los derechos LGBTQ+.
Head On / De frente al vacío
Cinta de drama y romance de 1998 dirigida por Ana Kokkinos y coescrita por la propia directora junto a Andrew Bovell y Mira Robertson, con base en la novela Loaded de Christos Tsiolkas. Fue producida por Jane Scott y protagonizada por Alex Dimitriades, Elle Mandalis y Damien Fotiou. La cinta aborda temas como la identidad sexual, la migración, el conflicto generacional y la búsqueda de pertenencia, a través de la experiencia de un joven gay dentro de una comunidad migrante en Australia.
La historia sigue a Ari (Alex Dimitriades), un joven de ascendencia griega que deambula por Melbourne durante un intenso periodo de 24 horas. A lo largo de la película, Ari se involucra en encuentros sexuales, consume drogas y mantiene relaciones conflictivas con su familia y su entorno social, evidenciando su rechazo tanto a las expectativas tradicionales de su comunidad como a las etiquetas dentro de la cultura gay. Su viaje no es lineal ni redentor, sino más bien una exploración cruda y fragmentada de su identidad, marcada por la confusión, el deseo y la resistencia a encajar en cualquier categoría.
Head On se estrenó en la sección paralela Directors’ Fortnight del Festival de Cine de Cannes 1998, lo que le otorgó visibilidad global. Posteriormente tuvo distribución en cines en Australia y otros países, consolidándose como una obra de culto. Aunque no fue una película de grandes premios comerciales, sí recibió reconocimiento crítico por su estilo audaz y su representación sin censura de la sexualidad y la identidad. La película amplió los límites del cine LGBTQ+ australiano, incorporando perspectivas multiculturales y una narrativa más confrontativa y experimental.
Holding the Man
Es un drama romántico de 2015 dirigido por Neil Armfield y escrita por Tommy Murphy, basado en el libro de memorias homónimo de Timothy Conigrave. Fue producida por Kylie du Fresne y protagonizada por Ryan Corr, Craig Stott, Sarah Snook y Francesco Ferdinandi. La película explora el amor romántico entre hombres, la homofobia, la identidad y el impacto del VIH/SIDA a través de un fuerte componente emocional y social.
Sigue la relación entre Tim (Ryan Corr) y John (Craig Stott), quienes se conocen como adolescentes en un colegio católico y desarrollan un vínculo profundo que evoluciona hacia un romance. A lo largo de los años, su relación enfrenta los desafíos de la desaprobación familiar, las presiones sociales y las propias inseguridades personales. A pesar de separaciones y conflictos, ambos permanecen conectados emocionalmente mientras buscan construir sus vidas como adultos. Con el paso del tiempo, la irrupción del VIH en sus vidas transforma su relación, llevando la historia hacia una dimensión marcada por la enfermedad, el cuidado mutuo y la pérdida.
La cinta tuvo su estreno mundial en 2015 en el Festival de cine de Adelaida, antes de su lanzamiento en cines en Australia ese mismo año. Fue aclamada por la crítica y ganó múltiples premios en los AACTA Awards, incluyendo Mejor película. La cinta se ha consolidado como una de las representaciones más importantes del amor gay en el cine australiano, además de contribuir a la memoria colectiva sobre la crisis del VIH/SIDA desde una perspectiva profundamente humana.
My First Summer
En una obra de 2020 escrita y dirigida por Katie Found. Fue producida por la productora Noise & Light y está protagonizada por Markella Kavenagh, Maiah Stewardson, Arthur Angel y Steve Mouzakis. Se trata de una película de transición a la edad adulta que explora temas como el despertar sexual, el primer amor entre mujeres, el duelo, el aislamiento y la búsqueda de identidad.
La historia sigue a Claudia (Markella Kavenagh), una joven que, bajo el cuidado de su madre, ha vivido aislada del mundo y queda huérfana repentinamente. Sola y vulnerable, Claudia conoce a Grace (Maiah Stewardson), una adolescente más experimentada y extrovertida que entra en su vida de manera inesperada. A medida que ambas pasan tiempo juntas durante el verano, desarrollan una relación que oscila entre la amistad y el deseo, permitiendo a Claudia descubrir nuevas emociones y enfrentarse a la realidad del mundo exterior, mientras ambas lidian con sus propias heridas e inseguridades.
Se estrenó en el Festival de Cine de Adelaida 2020, antes de su distribución en cines y plataformas digitales en Australia. La película recibió una acogida positiva en festivales y fue reconocida especialmente por sus interpretaciones y su estética sensible. Su relevancia radica en su representación delicada y poco sensacionalista del amor lésbico adolescente, aportando una mirada más introspectiva y poética dentro del cine LGBTQ+ australiano contemporáneo.
Monster Pies
Es una cinta de drama y romance de 2013 escrita, dirigida y producida por Lee Galea. Está protagonizada por Tristan Barr, Lucas Linehan y Rohana Hayes. Desde una perspectiva íntima y nostálgica influida por el cine juvenil de los años noventa, la obra aborda temas como el descubrimiento de la sexualidad, la adolescencia, la amistad, el primer amor y las tensiones sociales en la escuela.
La historia sigue a Mike (Tristan Barr), un adolescente introvertido y apasionado por el cine, que inicia una inesperada amistad con William (Lucas Linehan), un compañero de clase rebelde y carismático. A medida que participan en un proyecto cinematográfico escolar, su relación evoluciona hacia una conexión emocional y romántica que desafía sus propias percepciones sobre la identidad y el deseo. La película captura con sensibilidad los momentos de confusión, atracción y vulnerabilidad propios del despertar afectivo en la juventud.
Se estrenó en el Festival de Cine Queer de Melbourne 2013, donde ganó el premio de la audiencia a Mejor película. También se presentó en otros festivales LGBTQ+ y de cine independiente, incluyendo proyecciones en eventos internacionales antes de su distribución limitada en cines y plataformas digitales. La película recibió una acogida positiva y críticas mayormente favorables por su representación del romance adolescente gay.
Night Out
Es una película dramática de 1989 escrita y dirigida por Lawrence Johnston. Fue protagonizada por Colin Batrouney, David Bonney, John Brumpton. Es una obra sobre el amor y la fidelidad en una pareja gay y las consecuencias de una infidelidad. Se trata de un mediometraje independiente de 50 minutos rodado en blanco y negro.
La historia sigue a Tony (Colin Batrouney), quien sale a tomar unos tragos cuando su pareja, Steve (David Bonney), se va de viaje de negocios. Sintiendo soledad, busca la compañía de un joven con quien tiene relaciones sexuales en un lugar semipúblico. Sin embargo, son interrumpidos con violencia por hombres homófobos. Aunque Tony está lastimado y con dolor, le preocupa más cómo le explicará la situación a Steve.
La cinta se presentó por primera vez en la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes de 1990. Posteriormente tuvo presentaciones limitadas en circuitos de festivales y eventos de cine independiente. Debido a su distribución limitada, es una película poco conocida, pero que contó con muy buena crítica y una recepción positiva por parte de los espectadores.
Of An Age / A cierta edad
Es una película de drama y romance de 2022 escrita y dirigida por Goran Stolevski y producida por Kristina Ceyton y Samantha Jennings. Está protagonizada por Elias Anton, Thom Green y Hattie Hook. Ambientada en Australia en los anos 90, la película aborda temas como el primer amor, la identidad migrante, el paso a la adultez, el deseo y la memoria.
La historia sigue a Kol (Elias Anton), un joven bailarín de origen serbio que vive en Melbourne en 1999. En vísperas del cambio de milenio, Kol pasa un día junto a Adam (Thom Green), el hermano mayor de su amiga, con quien desarrolla una conexión inmediata e intensa. Durante ese breve encuentro, ambos comparten conversaciones, deseo y una experiencia amorosa breve, pero apasionada. Años más tarde, sus caminos se cruzan nuevamente, obligando a Kol a confrontar el peso de ese recuerdo y las decisiones que han marcado sus vidas.
La obra tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Melbourne 2022, antes de proyectarse en festivales internacionales como el BFI London Film Festival y estrenarse en cines en Australia y otros países en 2023. La película recibió elogios de la crítica por su sensibilidad, dirección y actuaciones y fue reconocida en diversos circuitos de festivales. Es un retrato íntimo y nostálgico del amor gay que se ha consolidado como una de las propuestas más refinadas del cine LGBTQ+ australiano contemporáneo.
Orchids: My Intersex Adventure
Es un documental de 2010 dirigido y producido por Phoebe Hart, quien también lo protagoniza junto a su hermana Bonnie Hart y James Davidson. La obra se sitúa en la intersección entre el cine autobiográfico y el documental social, abordando temas como la intersexualidad, la identidad corporal, el silencio familiar, la medicina y los derechos humanos. A través de una aproximación íntima, la película explora las experiencias de las personas intersex y cuestiona las normas binarias de sexo y género.
La historia sigue a Phoebe Hart, quien, tras años de silencio dentro de su familia, decide emprender un viaje personal para entender su condición intersex y confrontar el secretismo que la rodea. Junto a su hermana Bonnie, recorre distintos lugares y dialoga con otras personas intersex, médicos y activistas, reconstruyendo una narrativa que le fue negada durante su infancia. El documental alterna momentos de investigación con reflexiones personales, revelando el impacto emocional y psicológico de haber crecido sin información clara sobre su propio cuerpo.
La película se estrenó en el Festival de Cine de Brisbane en noviembre de 2010 y después se presentó en distintos festivales internacionales, incluyendo eventos de cine documental y LGBTQ+. Posteriormente tuvo difusión en televisión y plataformas educativas. La obra fue reconocida en festivales por su enfoque honesto y su valor pedagógico, recibiendo premios y menciones en certámenes especializados. También contribuyó a visibilizar la intersexualidad en Australia y a nivel internacional, convirtiéndose en una obra clave para el activismo y la educación sobre el tema.
Remembering the Man
Es un documental de 2015 escrito y dirigido por Nickolas Bird y Eleanor Sharpe y producido por Nickolas Bird. Está protagonizado por George Banders, Reece Manning y Richard Bligh. Se centra en la figura del actor y activista australiano, Timothy Conigrave, y su legado, en diálogo con la historia de amor que mantuvo con John Caleo. A través de testimonios y material de archivo, aborda temas como el amor entre hombres, la memoria, la pérdida y la crisis del VIH/SIDA.
El documental reconstruye la vida de Conigrave a partir de entrevistas con familiares, amigos y figuras cercanas, así como mediante fragmentos de sus escritos y registros audiovisuales. La narración se articula en torno a su relación con John, explorando tanto los momentos de intimidad y afecto como el impacto devastador del VIH en sus vidas. Más que una simple biografía, la película funciona como un ejercicio de memoria que busca dar profundidad humana a una historia conocida principalmente por su adaptación cinematográfica en Holding the Man.
Se estrenó en el Festival de Cine de Sídney 2015, donde formó parte de la programación oficial, antes de su exhibición en otros festivales y espacios culturales. Aunque no tuvo una distribución comercial amplia, fue bien recibido en circuitos documentales y LGBTQ+, destacando por su sensibilidad y valor testimonial. La obra complementó y profundizó la historia popularizada por la exitosa película del mismo año “Holding the Man”, contribuyendo a la memoria histórica del VIH/SIDA en Australia y a la visibilización de experiencias reales dentro del cine LGBTQ+.
The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert / Las aventuras de Priscilla, reina del desierto
Es una comedia dramática de 1994 escrita y dirigida por Stephan Elliott y producida por Al Clark y Michael Hamlyn. Está protagonizada por Terence Stamp, Hugo Weaving y Guy Pearce. Fue una de las primeras películas del cine comercial en abordar y visibilizar temas como el travestismo, la transexualidad y el arte drag. De forma irónica y teatral, explora temas de identidad de género, la sexualidad, la aceptación social y la resiliencia frente a la discriminación.
La historia sigue a dos drag queens, Mitzi (Hugo Weaving) y Felicia (Guy Pearce), junto a una mujer transgénero llamada Bernadette (Terence Stamp), quienes emprenden un viaje por el desierto australiano en un autobús al que bautizan “Priscilla”. Su objetivo es llegar a un hotel remoto donde Mitzi tiene un contrato para actuar. A lo largo del recorrido, el trío se enfrenta a diversas formas de prejuicio y violencia homofóbica, pero también encuentra momentos de solidaridad y conexión humana. El viaje se convierte en un proceso de autodescubrimiento, especialmente para Mitzi, quien debe confrontar aspectos personales de su vida, incluida su relación con su hijo.
La película se presentó en distintos festivales internacionales de cine en 1994, incluidos el de Cannes y San Francisco, y tuvo un lanzamiento comercial que le permitió alcanzar rápidamente reconocimiento global. Obtuvo el Oscar al Mejor diseño de vestuario. En el Festival de Cannes fue ampliamente celebrada y ganó el premio a la contribución artística. Rápidamente se convirtió en una película de culto y tuvo una relevancia cultural profunda que influyó en generaciones posteriores de cineastas y dio lugar a adaptaciones teatrales y musicales en varios países.
The Sum of Us
Es una comedia dramática de 1994 codirigida por Kevin Dowling y Geoff Burton y escrita por David Stevens, basada en la obra teatral de David Stevens. Fue producida por Hal McElroy y protagonizada por Jack Thompson, Russell Crowe y John Polson. Con un enfoque cálido y muy humano, la película explora la homosexualidad, la aceptación familiar, la masculinidad en la clase trabajadora, el amor y la búsqueda de pareja en el contexto australiano.
La historia sigue a Jeff (Russell Crowe), un joven gay que vive con su padre viudo, Harry (Jack Thompson), en un suburbio de Sídney. A diferencia de muchos relatos de la época, Harry acepta plenamente la orientación sexual de su hijo e incluso lo anima activamente a encontrar pareja. A lo largo de la película, Jeff navega el mundo de las citas y las relaciones, enfrentándose tanto a decepciones amorosas como a sus propias inseguridades, mientras la relación con su padre se mantiene como un eje de apoyo emocional y afecto sincero.
La cinta se presentó en distintos festivales internacionales en1994 y posteriormente en cines en Australia e internacionalmente. La película fue bien recibida por la crítica y obtuvo varios reconocimientos, incluyendo premios en festivales y nominaciones en la industria australiana. Su relevancia radica en que ofreció una de las primeras representaciones positivas y normalizadas de un hombre gay y su familia en el cine australiano, contribuyendo a cambiar percepciones sociales en una época en la que estas narrativas eran poco comunes en el cine comercial.
Walk Like a Man
Es una película documental de 2008 dirigida y producida por Jim Morgison y Patricia Zagarella y escrita por Lester Thomas Shane. Está protagonizada por Annah-Ruth Dominis, Pete Dubois y Sean Dmyterko. Filmada en San Francisco, Sídney y Nueva York, se centra en los preparativos de los dos equipos finalistas para la final de la Copa Bingham de 2006 en Nueva York (Torneo Memorial Mark Kendall Bingham), considerada la Copa del Mundo del rugby gay.
Narrada por el excampeón de rugby Ian Roberts, la cinta sigue la trayectoria de dos de los mejores equipos de rugby gay del mundo: los campeones vigentes, San Francisco Fog, y los prometedores Sydney Convicts, mientras se preparan para competir en la Copa Bingham. Este prestigioso trofeo lleva el nombre de Mark Bingham, un apasionado jugador de rugby gay y pasajero del vuelo 93 del 11 de septiembre de 2001 en Estados Unidos, que irrumpió valientemente en la cabina e impidió que los secuestradores convirtieran el avión en un arma terrorista.
La película se estrenó en febrero de 2008. Se emitió en el Servicio Especial de Radiodifusión Australiano y también en el canal Logo TV. En 2020, la revista australiana NME colocó la película en el puesto número 8 de su lista de “Las 15 mejores películas LGBTQ+ australianas de todos los tiempos”. Gracias a sus personajes entrañables, su carga emocional y su fuerte mensaje social, este drama de la vida real se ha convertido en un clásico del cine LGBTQ+ del país.