En el Día Internacional del Orgullo LGBTQIA+, te presentamos 12 películas con historias y personajes LGBTQIA+ que han transformado la historia del cine. La relevancia cultural de estas obras no radica (o no únicamente) en su construcción técnica o su propuesta visual, sino en el alcance de su narrativa para visibilizar y transformar la representación de poblaciones históricamente invisibilizadas e impulsar el debate tanto dentro del arte como en el entorno social y político.
Estas producciones fueron notables por distintas razones, desde cuestionar la censura en momentos de represión, hasta demostrar que la inclusión de historias LGBTQIA+ en el cine puede alcanzar el éxito comercial y el reconocimiento de la industria. Algunas de estas cintas también fueron pioneras dentro de la producción cinematográfica por su construcción de estilo y estética. De forma general, todas contribuyeron a abrir el camino e inspirar a generaciones posteriores de cineastas e historias LGBTQIA+.
Ya sea como parte de un movimiento cinematográfico como el “Nuevo Cine Queer” (New Queer Cinema) en Estados Unidos o como una propuesta arriesgada de una productora o un director disruptivo, estas películas crearon un impacto que despertó el interés del público en general. Con ese alcance mediático y su representación positiva, estas obras lograron transformar la concepción de las historias LGBTQIA+ desde un retrato trágico y ridiculizado, hasta una representación capaz de producir empatía.
Sin embargo, la valentía de romper paradigmas, cuestionar las estructuras de opresión o visibilizar las vidas en los márgenes a través del cine no ha estado exenta de obstáculos. En varios países, algunas de estas películas fueron prohibidas, censuradas o recibieron fuertes críticas y rechazo tras de su estreno. Esta reacción contribuyó a convertirlas en referentes culturales y a impulsar debates sobre libertad de expresión, diversidad y representación.
En conjunto, estas cintas son las que con mayor frecuencia aparecen en estudios sobre la historia del cine queer, retrospectivas de festivales como Festival de Cine de Cannes, Festival de Cine de Berlín y el Festival de Cine de Toronto, así como en publicaciones de instituciones centradas en el cine como el Instituto Británico del Cine y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos. Su contribución ha sido fundamental para la evolución de la representación LGBTQIA+ en la industria del cine.
Anders als die Andern / Diferente a los demás / Different from the Others
Estrenada hace más de un siglo, es considerada la primera película abiertamente gay de la historia. Se estrenó en Berlín en 1919 y fue una crítica a la criminalización de la homosexualidad en Alemania. Aunque inicialmente pudo exhibirse gracias a una breve flexibilización de la censura cinematográfica, pronto fue objeto de una intensa campaña de oposición y fue prohibida en 1920. Fue pionera en defender los derechos de las personas LGBTQIA+ desde una perspectiva científica y empática. La mayor parte de sus copias fueron destruidas durante el régimen nazi, por lo que hoy solo existe una versión reconstruida a partir de fragmentos conservados por archivos cinematográficos.
Se trata de una producción alemana dirigida por Richard Oswald, quien también la coescribió con Magnus Hirschfeld, uno de los pioneros en el estudio científico de la homosexualidad y defensor de los derechos LGBTQIA+. Fue producida por Oswald para su compañía cinematográfica, y está protagonizada por Conrad Veidt, Leo Connard, Fritz Schulz, Ilse von Tasso-Lind y Magnus Hirschfeld. Es un drama social que aborda temas como la homosexualidad, la persecución legal, la discriminación, el suicidio, los derechos civiles y la necesidad de abolir el famoso Párrafo 175 del Código Penal alemán que criminalizaba las relaciones sexuales entre hombres.
La historia sigue a Paul Körner, un violinista que se enamora de un joven estudiante llamado Kurt Sivers. Su relación es descubierta por un extorsionador que amenaza con revelar su orientación sexual, aprovechándose de que la ley castiga la homosexualidad. Paul termina siendo procesado y sometido al rechazo social, lo que desencadena una profunda crisis personal. En una de las secuencias más memorables, Magnus Hirschfeld ofrece una explicación científica de la homosexualidad, defendiendo que se trata de una variación natural de la sexualidad humana y denunciando la injusticia de las leyes discriminatorias. La película concluye con un llamado explícito a reformar la legislación alemana y poner fin a la persecución de las personas homosexuales.
Brokeback Mountain / El secreto en la montaña
Es reconocida como el catalizador que situó una historia queer en el centro absoluto del cine comercial. Se estrenó en el Festival de Cine de Venecia 2005 y en los cines de Estados Unidos a finales del mismo año, convirtiéndose en un fenómeno internacional de crítica y taquilla. Recibió ocho nominaciones para los premios Oscar de 2006 y ganó tres premios: Mejor dirección, Mejor guion adaptado y Mejor banda sonora original. Aunque era considerada la favorita para obtener el Oscar a la Mejor película, este fue otorgado a Crash, una decisión que continúa siendo una de las más controvertidas en la historia de la Academia de Hollywood.
Esta producción estadounidense es la obra maestra del director Ang Lee. Fue escrita por Larry McMurtry y Diana Ossana, basada en el relato homónimo de Annie Proulx. Fue producida por James Schamus, Diana Ossana y Larry McMurtry. Está protagonizada por Heath Ledger, Jake Gyllenhaal, Michelle Williams y Anne Hathaway. Al enmarcar un romance gay íntimo y trágico en el contexto del western estadounidense clásico, la cinta transformó radicalmente la percepción que el público mundial tenía de las historias LGBTQIA+ y derribó barreras en la industria cinematográfica comercial. Es un retrato sensible del costo emocional de la intolerancia y la imposibilidad de expresar libremente el amor en un entorno profundamente conservador.
La historia sigue a Ennis Del Mar y Jack Twist, dos jóvenes vaqueros que se conocen en el verano de 1963 mientras cuidan un rebaño de ovejas en la montaña Brokeback, en el estado de Wyoming. Durante ese tiempo desarrollan una intensa relación amorosa que ambos intentan reprimir debido a las normas sociales de la época. Aunque posteriormente forman familias y llevan vidas separadas, continúan encontrándose durante dos décadas, manteniendo un vínculo profundo que desafía las expectativas sociales y pone a prueba sus matrimonios, sus identidades y su capacidad para vivir con autenticidad.
Freak Orlando
A través de los años, esta película alemana (entonces Alemania Occidental) de 1981 se convirtió en una obra de culto dentro del cine feminista y queer europeo. Su relevancia cultural radica en haber anticipado debates contemporáneos sobre género, corporalidad e identidad décadas antes de que estos alcanzaran una mayor visibilidad pública. Es una de las obras más importantes del cine experimental alemán y contribuyó a ampliar los límites formales del cine independiente mediante una estética barroca, transgresora y profundamente influida por el teatro y las artes visuales. Se estrenó en Alemania Occidental en junio de 1981 y posteriormente circuló ampliamente en festivales.
La cinta fue escrita, dirigida, fotografiada y diseñada por Ulrike Ottinger. Fue producida por Sibylle Hubatschek-Rahn y Renée Gundelach y protagonizada por Magdalena Montezuma, Delphine Seyrig, Albert Heins y otros intérpretes de la escena artística alternativa europea. Inspirada libremente en la novela “Orlando” de Virginia Woolf, la película mezcla fantasía, comedia, cine experimental, surrealismo, estética camp y cine queer. Sus temas principales incluyen la identidad de género, la marginalidad, la sexualidad, el poder, la exclusión social, la belleza normativa y la construcción cultural de la “normalidad”.
La historia está estructurada en cinco episodios que siguen a Orlando, un personaje cambiante que atraviesa distintas épocas históricas y adopta múltiples identidades, géneros y formas físicas. A lo largo de este viaje alegórico, la protagonista se encuentra con figuras excéntricas, artistas, personajes mitológicos, instituciones represivas y comunidades de marginados. Más que contar una historia lineal, la obra funciona como una serie de cuadros visuales y satíricos que recorren la historia de Occidente desde una perspectiva crítica, cuestionando los prejuicios sociales, la obsesión por clasificar a las personas y los mecanismos de exclusión ejercidos contra quienes son considerados diferentes.
Moonlight
Tras su estreno en el Festival de Cine de Telluride 2016, se convirtió en un fenómeno cultural y crítico, culminando con la obtención de tres premios Oscar. Fue la primera película LGBTQIA+ en ganar el Oscar a Mejor película en los 89 años de historia de los premios. Su legado en la industria cinematográfica fue demostrar que una producción independiente centrada en experiencias negras y queer podía alcanzar reconocimiento masivo y éxito internacional. Su retrato íntimo de la identidad negra y queer desde una perspectiva interseccional sentó un nuevo estándar para la visibilización de comunidades subrepresentadas bajo una narrativa cinematográfica auténtica y empática.
Es una cinta escrita y dirigida por Barry Jenkins, basada en la obra inédita “In Moonlight Black Boys Look Blue” de Tarell Alvin McCraney. Fue producida por Adele Romanski, Dede Gardner y Jeremy Kleiner. El reparto principal incluye a Trevante Rhodes, Mahershala Ali, Naomie Harris y Janelle Monáe. La película es un drama de transición a la adultez que explora temas como la identidad sexual, la masculinidad, la identidad negra, la pobreza, la drogadicción, la vulnerabilidad emocional, el amor y la búsqueda de identidad.
La historia está dividida en tres capítulos que siguen la vida de Chiron, un joven afroamericano de Miami, durante su infancia, adolescencia y adultez. En cada etapa, Chiron enfrenta el acoso de sus compañeros, la adicción de su madre y las dificultades de crecer en un entorno marcado por la marginalidad. Al mismo tiempo, lucha por comprender su orientación sexual y encontrar un lugar donde pueda expresar sus emociones sin temor al rechazo. La relación que desarrolla con Kevin, un amigo de la infancia, se convierte en un elemento central de su vida y en una referencia constante en su proceso de autodescubrimiento.
My Beautiful Laundrette
Es una película que revolucionó la representación de personajes gais en el cine al combinarlos con temas de inmigración, raza y clase social en el Reino Unido. Se estrenó en el Festival de Cine de Toronto de 1985. Aunque fue originalmente concebida como una producción para la televisión, su extraordinaria recepción crítica motivó un estreno en salas de cine después de su paso por festivales y esto la convirtió en un éxito internacional. Fue pionera en su enfoque interseccional de las comunidades inmigrantes en el cine británico, abordando simultáneamente cuestiones de sexualidad, raza y clase con naturalidad y profundidad.
Es una obra británica dirigida por Stephen Frears, escrita por Hanif Kureishi y producida por Sarah Radclyffe y Tim Bevan para Channel 4 y Working Title Films. Está protagonizada por Gordon Warnecke, Daniel Day-Lewis, Saeed Jaffrey y Roshan Seth. A través de un drama romántico y social con personajes alejados de los estereotipos del cine de la época, explora temas como la homosexualidad, la inmigración, el racismo, las diferencias de clase y las transformaciones económicas de la Gran Bretaña de la era de Margaret Thatcher.
La historia sigue a Omar, un joven británico de ascendencia paquistaní que recibe de su tío la oportunidad de administrar una lavandería en un barrio del sur de Londres. Para renovarla contrata a Johnny, un antiguo amigo y exintegrante de un grupo de extrema derecha con quien mantiene una relación sentimental. Mientras ambos transforman el negocio en un éxito, deben afrontar las tensiones derivadas de sus diferencias culturales, la desaprobación familiar, la violencia racial y los prejuicios hacia su relación. A través de este romance, la cinta realiza una crítica a las desigualdades sociales y económicas de la Gran Bretaña contemporánea.
Paris Is Burning
Este icónico documental dio a conocer al mundo la cultura de los “balls” de Nueva York, popularizados principalmente en las décadas de los 70’s y 80’s. Tuvo su estreno en el Festival de Cine de Toronto de 1990 y, tras un ciclo de festivales, también se estrenó comercialmente en Estados Unidos. Fue ampliamente aclamado por la crítica y recibió varios galardones. Su relevancia cultural es extraordinaria tanto por su registro documental como por visibilizar el léxico queer de la época y sentar las bases para varios fenómenos actuales de la cultura pop. Dentro de la industria cinematográfica, contribuyó decisivamente a visibilizar las experiencias de personas trans, drag y queer racializadas.
Es cinta estadounidense dirigida por Jennie Livingston y producida por la propia Livingston junto con Nigel Finch. No cuenta con un guion tradicional, ya que se construye a partir de entrevistas y material documental filmado entre mediados y finales de los años ochenta para exponer temas como la identidad de género, la cultura drag, las comunidades trans y queer, el racismo, la pobreza, la familia elegida y la búsqueda de reconocimiento y dignidad en una sociedad excluyente. Tiene como protagonistas a destacadas figuras reales de la cultura ballroom neoyorquina como Pepper LaBeija, Dorian Corey, Angie Xtravaganza, Venus Xtravaganza, Willi Ninja y Paris Dupree.
La obra explora la escena “ballroom”, una subcultura creada principalmente por personas afroamericanas y latinas LGBTQIA+ que organizaban competencias conocidas como “balls”. En estos eventos, los participantes desfilaban y competían en distintas categorías relacionadas con la moda, el baile, el género y la representación de diferentes identidades sociales. A través de entrevistas y observación directa, el documental muestra cómo las llamadas “casas” (houses), que competían entre sí, funcionaban como familias elegidas para jóvenes queer y trans que habían sido rechazados por sus familias biológicas. Al mismo tiempo, explora los sueños, desafíos y aspiraciones de sus integrantes, revelando las complejas intersecciones entre identidad, supervivencia y expresión artística.
Philadelphia
Tras su estreno comercial en 1993, Philadelphia se convirtió en la primera gran producción de Hollywood en abordar de forma abierta la crisis del VIH/SIDA y la discriminación contra los hombres gais. Fue un éxito de crítica y taquilla y su relevancia cultural radica en contribuir decisivamente a humanizar la percepción pública de las personas con VIH/SIDA en una época marcada por el miedo y el estigma. Además, demostró que una película centrada en un protagonista gay y en la epidemia del SIDA podía alcanzar un gran éxito comercial. Hoy es considerada un punto de inflexión en la historia de Hollywood.
Se trata de una producción estadounidense dirigida por Jonathan Demme, escrita por Ron Nyswaner y producida por Edward Saxon y Jonathan Demme. Está protagonizada por Tom Hanks, Denzel Washington, Roberta Maxwell, Buzz Kilman, Jason Robards y Mary Steenburgen. Es una película de drama judicial que aborda temas como la discriminación por orientación sexual, el estigma por el VIH/SIDA, los derechos laborales, los prejuicios sociales, la dignidad humana y la lucha por la igualdad ante la ley.
La historia sigue a Andrew Beckett, un abogado de un prestigioso bufete de Filadelfia que es despedido cuando sus empleadores descubren que tiene SIDA. Convencido de que fue víctima de discriminación, Andrew presenta una demanda por despido injustificado y logra que lo represente Joe Miller, un abogado inicialmente homófobo y reticente aceptar el caso. A medida que avanza el juicio, Joe confronta sus propios prejuicios y desarrolla un profundo respeto por Andrew, mientras ambos luchan por demostrar que la enfermedad y la orientación sexual no pueden justificar un trato desigual. La película construye un drama con una historia profundamente humana sobre el valor, la empatía y la justicia.
The Adventures of Priscilla, Queen of the Desert / Las aventuras de Priscilla, reina del desierto
Este vibrante e intransigente clásico australiano sacó a las “drag queens” y a las mujeres trans de la subcultura para llevarlas a las salas de cine de todo el mundo. Después de su estreno en Australia en 1994, fue presentada en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cine de Cannes, donde obtuvo el Premio del Público. Su éxito internacional culminó con el Oscar a Mejor diseño de vestuario en 1995. Su enorme impacto mediático inspiró adaptaciones teatrales de gran éxito y la consolidó como un clásico del cine australiano.
Fue escrita y dirigida por Stephan Elliott y producida por Al Clark y Michael Hamlyn. Está protagonizada por Terence Stamp, Hugo Weaving y Guy Pearce. Mediante una combinación de comedia, drama y road movie la cinta explora temas como la identidad de género, la homosexualidad, la amistad, la familia, la discriminación, la autoaceptación y la visibilidad de las comunidades LGBTQIA+ en un contexto social conservador. Con el paso de los años, se ha convertido en un fenómeno cultural y en una de las obras más influyentes del cine LGBTQIA+, contribuyendo a normalizar la presencia de personajes drag y trans en el cine comercial internacional.
La historia sigue a Mitzi Del Bra (Tick), Felicia Jollygoodfellow (Adam) y Bernadette Bassenger, quienes emprenden un viaje a bordo de un autobús bautizado como “Priscilla” desde Sídney hasta Alice Springs para presentar un espectáculo de cabaret. A lo largo del recorrido atraviesan el desierto australiano y se enfrentan tanto a la hostilidad y los prejuicios de algunas comunidades como a encuentros de solidaridad y aceptación. Mientras el viaje fortalece su amistad, cada uno de los protagonistas debe afrontar conflictos personales relacionados con el amor, la identidad y la búsqueda de un lugar donde pueda vivir con autenticidad.
The Boys in the Band
Se estrenó en Estados Unidos en 1970, apenas un año después de los disturbios de Stonewall, un momento decisivo para el movimiento de liberación LGBTQIA+. Aunque recibió críticas divididas, la película marcó un punto de inflexión en la historia de Hollywood. Fue el primer largometraje de un gran estudio centrado casi exclusivamente en personajes gais y abrió el camino para una representación más visible de la comunidad LGBTQIA+ en el cine estadounidense e internacional. Hoy continúa siendo objeto de análisis por su retrato honesto de una generación que vivió entre la represión y el inicio de la lucha por los derechos civiles.
Es una producción estadounidense dirigida por William Friedkin, escrita por Mart Crowley, quien adaptó para la pantalla su exitosa obra de teatro homónima de 1968, y producida por Kenneth Harper. El reparto está integrado por los mismos actores que actuaron la obra en Broadway: Kenneth Nelson, Leonard Frey, Peter White, Cliff Gorman, Frederick Combs, entre otros. La cinta un drama psicológico que aborda temas como la identidad, la homofobia internalizada, la soledad, la autoaceptación, el estigma social y las consecuencias de vivir ocultando la orientación sexual.
Ambientada a finales de los años sesenta, la historia transcurre en el apartamento de Michael, un hombre gay que organiza una fiesta de cumpleaños para su amigo Harold. Lo que comienza como una celebración pronto deriva en una noche de confesiones, tensiones y enfrentamientos cuando un antiguo compañero universitario heterosexual llega inesperadamente. Bajo la influencia del alcohol y las frustraciones acumuladas, los asistentes se ven obligados a confrontar sus inseguridades y la discriminación que han interiorizado. A través de diálogos intensos y actuaciones teatrales, la película ofrece un retrato complejo de la experiencia de hombres homosexuales en una época en la que la aceptación social era todavía muy limitada.
The Celluloid Closet
Basado en el libro homónimo de Vito Russo, este documental recorrió la historia de la homosexualidad en Hollywood. Expuso cómo el cine representaba históricamente a los personajes queer como villanos, personajes ridiculizados o figuras trágicas, generó conciencia a nivel mundial y obligó a la industria cinematográfica a replantearse la representación LGBTQIA+. Tras su estreno en el Festival de Cine de Toronto 1995 y su paso posterior por otros festivales y salas de cine, recibió aclamación crítica y diversos premios. Con el tiempo se convirtió en una obra fundamental para comprender la historia de la representación LGBTQIA+ en Hollywood y ayudó a popularizar debates que estaban restringidos al ámbito académico y activista.
Esta película estadounidense fue dirigida por Rob Epstein y Jeffrey Friedman, basado en el influyente libro homónimo del historiador y activista Vito Russo. El guion fue adaptado por Armistead Maupin, mientras que la producción estuvo a cargo de Epstein, Friedman y Sheila Nevins. Narrado por Lily Tomlin, incluye entrevistas con figuras como Whoopi Goldberg, Susan Sarandon, Tom Hanks, Shirley MacLaine y Gore Vidal. Es un documental histórico que analiza temas como la censura, los estereotipos, la invisibilización de las personas LGBTQIA+ y la relación entre cine, cultura y discriminación.
La película examina casi un siglo de historia del cine estadounidense a través de fragmentos de cientos de películas y entrevistas con actores, directores, guionistas y críticos. Siguiendo las ideas desarrolladas por Vito Russo en su libro, el documental muestra cómo los personajes LGBTQIA+ fueron primero ocultados o codificados durante la era del cine clásico, posteriormente retratados mediante estereotipos negativos o trágicos bajo el Código Hays, y finalmente representados de manera más abierta a partir de los movimientos de liberación gay de finales del siglo XX. El resultado es un recorrido crítico por la evolución de la diversidad sexual en la pantalla y por el impacto que esas representaciones tuvieron en la percepción pública de las personas LGBTQIA+.
The Watermelon Woman
Fue el primer largometraje dirigido por una mujer negra abiertamente lesbiana en Estados Unidos. Al demostrar que las historias protagonizadas por personas racializadas y queer podían ocupar el centro de la narrativa cinematográfica, la película revolucionó la industria. Se estrenó en el Festival Ide Cine de Berlín 1996, donde ganó el Teddy Award a la Mejor película. Tras su estreno, las quejas de algunos grupos conservadores en Estados Unidos llevaron a la reforma del Fondo Nacional para las Artes que había financiado la película. Su relevancia cultural ha crecido con el tiempo hasta convertirla en una obra de estudio del movimiento “New Queer Cinema” y del cine afroamericano contemporáneo.
The Watermelon Woman fue escrita, dirigida, editada y protagonizada por Cheryl Dunye. Producida por Alexandra Juhasz y Barry Swimar, cuenta con las actuaciones de Cheryl Clarke, Guinevere Turner y Valarie Walker. La cinta combina comedia romántica, drama, autoficción y fue pionera por su innovadora mezcla de documental y ficción, lo que hoy se conoce como falso documental (mockumentary). La cinta aborda temas como la representación de las personas negras en el cine, la identidad lésbica, el racismo, la invisibilización de las mujeres negras y la construcción de la historia desde perspectivas marginadas.
La película sigue a Cheryl, una joven lesbiana negra que trabaja en un videoclub de Filadelfia y sueña con convertirse en cineasta. Mientras investiga a una misteriosa actriz afroamericana de los años treinta referida en los créditos únicamente como “The Watermelon Woman”, emprende la realización de un documental para reconstruir su vida y su carrera. A medida que profundiza en la investigación, también desarrolla una relación sentimental con una mujer blanca y reflexiona sobre su propia identidad. La búsqueda de la actriz se convierte así en una exploración de la ausencia de mujeres negras y lesbianas en la historia oficial del cine, difuminando constantemente las fronteras entre ficción y realidad.
Todo sobre mi madre
Fue la película que consolidó a Pedro Almodóvar como uno de los cineastas más influyentes del mundo y contribuyó a ampliar la representación de personajes trans y LGBTQIA+ en el cine de prestigio, tratándolos con humanidad y complejidad en una época en que estas historias eran muy poco frecuentes. Se estrenó en España en 1999 y, ese mismo año, fue presentada en el Festival de Cine de Cannes. La película obtuvo un gran reconocimiento internacional y ganó el Oscar a Mejor película extranjera, el Globo de Oro a Mejor película extranjera y el premio a Mejor dirección en Cannes.
Se trata de una producción española escrita y dirigida por Pedro Almodóvar y producida por Agustín Almodóvar para El Deseo. Está protagonizada por Cecilia Roth, Marisa Paredes, Candela Peña, Antonia San Juan, Penélope Cruz y Rosa María Sardà. A través de una mezcla de drama cómico y psicológico, la cinta aborda temas como la maternidad, la identidad de género, la transexualidad, la solidaridad entre mujeres, el duelo, el VIH/SIDA, la familia elegida y la capacidad de reinventarse frente a la pérdida.
La historia sigue a Manuela, una enfermera de Madrid cuyo hijo adolescente, Esteban, muere trágicamente el día de su cumpleaños mientras intenta conseguir un autógrafo de una actriz de teatro. Devastada por la pérdida, Manuela viaja a Barcelona en busca del padre del joven, una mujer trans conocida como Lola, a quien nunca le reveló la existencia de su hijo. En el camino entabla relaciones con una actriz célebre, una monja embarazada que vive con VIH, una trabajadora sexual trans llamada Agrado y otras mujeres cuyas vidas terminan entrelazándose. A través de estas historias, la película construye un retrato sobre la empatía, la resiliencia y las diversas formas de maternidad y familia.