El cine queer colombiano comprende un conjunto de películas que, desde distintas regiones, géneros y formas de producción, han utilizado las experiencias LGBTQIA+ para hablar también de violencia, clase, familia, religión, territorio, conflicto armado y construcción de género. Al igual que en otros países latinoamericanos, su evolución puede entenderse como un desplazamiento desde representaciones marginales o asociadas a la clandestinidad hacia relatos mucho más diversos, en los que las personas queer ocupan el centro de la narración.
La investigación académica sobre cine y derechos LGBTQIA+ en América Latina identifica una transformación durante las últimas dos décadas: del registro de la exclusión, la discriminación y la vulnerabilidad hacia representaciones interseccionales más complejas. Además, este proceso coincide con una transformación más amplia en el cine latinoamericano: las historias LGBTQIA+ comenzaron a incorporar con mayor frecuencia personajes que viven su sexualidad e identidad como parte integral de las historias y no necesariamente como el único conflicto de sus vidas.
Una de las producciones fundamentales para entender el cine queer colombiano contemporáneo es “La virgen de los sicarios” (2000). La película colocó una relación homosexual en el centro de una historia sobre violencia y marginalidad ambientada en Medellín que tuvo una repercusión nacional destacada y además una importante circulación internacional. Su importancia histórica se encuentra en que vinculó la homosexualidad con problemas colombianos como la violencia urbana, las desigualdades y la transformación de Medellín, en lugar de constituir una historia aislada de su contexto social.
A partir de la década de 2010 se produjo una diversificación notable. Las producciones comenzaron a trasladar el protagonismo hacia experiencias lésbicas, transgénero e incluso intersexualidad y autonomía corporal. En paralelo aparecieron películas que trataron otras formas de disidencia sexual desde perspectivas menos centradas en la violencia. Así, el cine queer colombiano pasó de preguntar principalmente qué significa ser diferente en una sociedad violenta a preguntar qué significa habitar un cuerpo, una identidad, una familia y un territorio fuera de las normas de género y sexualidad.
En términos de producción, el crecimiento también debe entenderse dentro de la consolidación general del cine colombiano. El número creciente de cintas en salas comerciales permite observar una producción cada vez más amplia y diversa de largometrajes y documentales, mientras que festivales nacionales e internacionales proporcionan espacios importantes de visibilidad. El empleo de la disidencia sexual y de género para examinar problemas mayores como violencia, desplazamiento, desigualdad, machismo, conflicto armado, religión, familia y memoria, le ha permitido al cine queer colombiano alcanzar circuitos internacionales de festivales y una relevancia cultural más allá del público LGBTQIA+.
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Alis
Es una cinta documental de 2022 dirigida por Clare Weiskopf y Nicolás van Hemelryck, quienes también participaron como productores y coguionistas junto con Tatiana Andrade, Anne Fabini y Gustavo Vasco. Producida principalmente por Casatarántula, con coproducción de Pantalla Cines y deFilm, la película aborda temas como la violencia, el abuso, la exclusión social, la identidad, la resiliencia y las expectativas impuestas a mujeres jóvenes que vivieron en las calles de Bogotá. Entre sus protagonistas se encuentran Paula Yeraldine Gutiérrez Sánchez, Linda Sofía Rodríguez Ávila, Yulieth Natalia Parra Cardoso y otras jóvenes residentes de un hogar de acogida.
La película parte de un ejercicio de imaginación: en un centro de acogida para adolescentes, las jóvenes cierran los ojos y crean colectivamente a Alis, una compañera ficticia que, como ellas, habría vivido en las calles de Bogotá. A medida que construyen la historia de este personaje imaginario, sus relatos comienzan a revelar experiencias reales de abandono, violencia, abuso y discriminación, pero también sus deseos, sueños y expectativas. Así, Alis funciona como una especie de espacio seguro que permite a las protagonistas hablar de sí mismas indirectamente y observar sus propias experiencias desde otra perspectiva.
Alis tuvo su estreno mundial en la sección Generation 14plus del Festival de Cine de Berlín 2022, donde obtuvo el Oso de Cristal a la Mejor película y el Premio Teddy a la Mejor película documental. Posteriormente recibió, entre muchos otros, el premio al Mejor documental iberoamericano en el Festival de Cine de Guadalajara. La relevancia de la cinta radica en colocar en el centro del cine colombiano las voces de jóvenes mujeres provenientes de contextos de extrema vulnerabilidad, mientras que su reconocimiento en festivales de cine queer amplió su lectura como obra sobre identidad, libertad y diversidad.
Anhell69
Estrenado en 2022, es el primer largometraje del cineasta colombiano Theo Montoya, quien escribió, dirigió y figura como productor, junto con Juan Pablo Castrillón. Fue producido por Desvío Visual en coproducción con Monogram Film (Rumania), Dublin Films (Francia) y Amerikafilm (Alemania). Montoya también aparece en la película como narrador y personaje, acompañado por jóvenes de la escena queer de Medellín como Camilo Najar, Alejandro Hincapié, Julián David Moncada y Camilo Machado, además del cineasta Víctor Gaviria. A través de una combinación de documental y ficción, reconstruye la escena queer de Medellín y muestra a una generación de jóvenes atravesada por el consumo de drogas, la muerte y la sensación de falta de futuro.
La producción parte de un proyecto de ficción que Montoya intentó realizar con sus amigos: una película de vampiros protagonizada por integrantes de la escena queer local de Medellín. Sin embargo, el proyecto quedó truncado después de que Camilo Najar, uno de sus protagonistas, muriera por una sobredosis de heroína a los 21 años. A partir de esa pérdida, Montoya transforma la película en una reflexión autobiográfica sobre sus amigos y sobre una generación marcada por la violencia, el consumo de drogas, el suicidio y la exclusión. La obra combina entrevistas y testimonios reales con fragmentos de la película que nunca llegó a realizarse, creando un híbrido entre documental, autobiografía y ficción fantástica.
Tuvo su estreno mundial en agosto de 2022 en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine Venecia, donde recibió la Gran Mención Especial del Jurado y el Premio Verona Film Club a la película más innovadora. Posteriormente, en su paso por más de 60 festivales internacionales, recibió diversas nominaciones y premios. En Colombia se estrenó comercialmente en julio de 2023. Su relevancia cultural está en conservar el testimonio de una generación queer de Medellín atravesada por la violencia y la muerte, al tiempo que cuestiona la idea de un “no futuro” para jóvenes marginados.
¿Cómo te llamas? / Eva + Candela
Conocida internacionalmente como Eva + Candela, es un drama romántico lésbico de 2018 escrito y dirigido por Ruth Caudeli Martí, quien también participó como productora ejecutiva. La producción estuvo a cargo de Ana Piñeres y está protagonizada por Silvia Varón y Alejandra Lara, junto con Roberto Cano, Kristina Lilley, Luna Baxter y Ana María Cuéllar. A través de un romance entre mujeres, la cinta aborda el deseo, la intimidad, la transformación de las relaciones de pareja y la tensión entre la vida afectiva y las aspiraciones profesionales. La directora explicó que su intención era hablar de las relaciones humanas y contribuir a naturalizar las parejas del mismo sexo en el cine.
La historia sigue a Eva (Silvia Varón), una directora de cine, y Candela (Alejandra Lara), la actriz que protagoniza su primera película, quienes se conocen y se enamoran mientras trabajan juntas en un proyecto cinematográfico. Lo que inicialmente las une, su pasión por el cine y sus ambiciones profesionales, termina convirtiéndose también en una fuente de conflicto. La película recorre diferentes etapas de su relación, desde la atracción y el enamoramiento hasta la convivencia, el desgaste de la rutina y la ruptura, mostrando cómo una relación que comenzó con intensidad puede transformarse con el paso del tiempo.
Se estrenó en julio de 2018 en el Festival Outfest de Los Ángeles, uno de los principales festivales de cine LGBTQ+ de Estados Unidos, y llegó a las salas colombianas en noviembre del mismo año. Posteriormente circuló por numerosos festivales de cine queer, donde recibió críticas muy positivas. En Colombia recibió dos nominaciones a los Premios Macondo 2019, para Mejor actriz y Mejor diseño de vestuario. La producción destaca por presentar una relación lésbica desde una perspectiva cotidiana e íntima, sin convertir la orientación sexual de sus protagonistas en el conflicto central de la historia.
Contracorriente
Es una producción realizada por Perú, Colombia, Francia y Alemania estrenada en 2009. Fue escrita y dirigida por el cineasta peruano Javier Fuentes-León, en su debut como director de largometraje. En su elaboración participaron El Calvo Films, Dynamo, La Cinefacture y Neuecameofilm y entre sus productores figuran Fuentes-León y el colombiano Rodrigo Guerrero. Está protagonizada por Cristian Mercado, Manolo Cardona y Tatiana Astengo. A través de un drama romántico con elementos de fantasía, la película explora la homofobia, la masculinidad, la religión y el precio de ocultar un amor considerado socialmente inaceptable.
La película sigue a Miguel (Cristian Mercado), un pescador de un pueblo costero peruano que está casado con Mariela (Tatiana Astengo) y espera el nacimiento de su primer hijo, pero mantiene en secreto una relación amorosa con Santiago (Manolo Cardona), un pintor foráneo. Cuando Santiago muere accidentalmente, su cuerpo desaparece y Miguel comienza a experimentar una conexión sobrenatural con él. El conflicto alcanza su punto culminante cuando el cuerpo aparece y Miguel debe decidir si reconoce públicamente a Santiago como su amante, arriesgando su matrimonio y su reputación, o permite que sea enterrado según las tradiciones locales.
Tuvo su estreno internacional en el Festival de Cine de San Sebastián 2009, donde recibió el Premio Sebastiane a la Mejor película con temática gay. En 2010, obtuvo el Premio del Público a la Mejor película dramática internacional en Sundance y acumuló varios premios en otros festivales. La crítica destacó su forma de presentar una historia de amor entre hombres dentro de una comunidad latinoamericana tradicional, vinculándola con la masculinidad, la familia, la religión y los prejuicios interiorizados. Fue la primera coproducción colombiana en obtener un reconocimiento en Sundance y también fue seleccionada por Perú como candidata a los Óscar de 2011.
La estrategia del mero
Este drama de 2023 fue escrito y dirigido por Edgar Alberto Deluque Jácome, en su debut como director de largometraje. La producción estuvo a cargo de Jorge Andrés Botero, de Séptima Films (Colombia), y Annabelle Mullen, de Belle Films (Puerto Rico), con coproducción de Larimar Films (República Dominicana) y Bubbles Project y Kromaki (Brasil). La película está protagonizada por Roamir Pineda y Nathalia Rincón junto con Modesto Lacen, Henry Barrios y Jesús Romero. A través de un drama familiar, aborda la identidad de género, la transfobia, el machismo, el abandono y la reconstrucción de vínculos familiares.
La trama sigue a Samuel (Roamir Pineda), un pescador solitario que vive en la isla de La Aguja y practica la pesca de mero a pulmón. Su vida cambia cuando aparece inesperadamente Priscila (Nathalia Rincón), su hija trans, a quien no veía desde que era un niño. Samuel inicialmente la rechaza debido a sus prejuicios y a las heridas acumuladas durante años de separación, mientras los pescadores de la zona observan su presencia con desconfianza y hostilidad. Sin embargo, un accidente obliga al padre a aceptar el cuidado de su hija y ambos comienzan un proceso de acercamiento y reconciliación. En la historia, la película utiliza a los meros, especies que pueden cambiar de sexo al alcanzar la madurez, para hablar de transformación, identidad y aceptación.
Se estrenó en noviembre de 2023, dentro de la competencia First Feature Competition del Festival de Cine Black Nights de Tallin (PÖFF) en Estonia. Posteriormente recibió el premio a Mejor actor para Roamir Pineda en el Festival de Cine Dominicano en Nueva York, entre otros premios. La película también ha tenido presencia en circuitos especializados de cine LGBTQIA+, entre ellos el Ciclo Rosa de Medellín, y en 2025 llegó a los cines colombianos. Su relevancia radica en la representación de una mujer trans dentro de una comunidad pesquera caribeña, mientras cuestiona los prejuicios de género y las formas tradicionales de entender la paternidad y la familia.
La luciérnaga
Se trata de un drama romántico con elementos de realismo mágico y fantasía gótica de 2015, escrito y dirigido por Ana María Hermida, quien también la produjo junto con Luisa Casas. Es una coproducción entre Colombia y Estados Unidos protagonizada por Carolina Guerra y Olga Segura, acompañadas por Manuel José Chaves, Andrés Aramburo y María Helena Doering. Siendo una obra pionera en la representación de relaciones entre mujeres dentro del cine colombiano, la cinta explora el duelo, la sexualidad, la identidad y las relaciones de pareja.
La película sigue a Lucía (Carolina Guerra), una mujer casada que recibe la noticia de la muerte accidental de su hermano Andrés, con quien mantenía una relación distante. Durante el proceso de duelo, Lucía conoce a Mariana (Olga Segura), la prometida de Andrés, y ambas encuentran consuelo compartiendo recuerdos e historias sobre el hombre que las unía. La convivencia transforma gradualmente su relación desde una amistad nacida del dolor, hasta una atracción amorosa inesperada que obliga a Lucía a enfrentarse tanto a sus sentimientos por Mariana como a su matrimonio y a las convenciones sociales que la rodean.
Su estreno mundial se dio en el Festival de Cine de Atlanta en 2015 y posteriormente pasó por festivales de Madrid, La Habana, Sídney y Barcelona, donde recibió algunas nominaciones y buena recepción crítica. Su estreno comercial en Colombia tuvo lugar en noviembre de 2016. Su importancia cultural se encuentra en que fue pionera en la representación lésbica en un país con escasez histórica de producciones centradas en personajes y temáticas queer. Su propia directora explicó que la película nació parcialmente de su experiencia de duelo tras la muerte de su hermano y del vínculo que estableció posteriormente con la novia de este, transformando esa experiencia en una historia de amor y recuperación.
La virgen de los sicarios
Es un drama colombiano-francés estrenado en el 2000. Fue dirigido por el cineasta Barbet Schroeder con un guion de Fernando Vallejo como adaptación de su novela homónima. La producción estuvo a cargo de Margaret Ménégoz, Jaime Osorio Gómez y Schroeder, con participación de Tucán Producciones de Colombia, Les Films du Losange, Canal+ y productoras españolas. Está protagonizada por Germán Jaramillo, Anderson Ballesteros y Juan David Restrepo. La película combina drama, romance y violencia social para abordar temas como la homosexualidad, la masculinidad, la violencia urbana, el narcotráfico, la desigualdad y la descomposición social.
La historia sigue a Fernando (Germán Jaramillo), un escritor gay que regresa a Medellín tras más de treinta años de ausencia y encuentra una ciudad profundamente transformada por la violencia asociada al narcotráfico. En un burdel, conoce a Alexis (Anderson Ballesteros), un joven de 16 años procedente de un barrio marginado que trabaja como sicario, y entre ambos surge una relación amorosa. Posteriormente, Fernando también se relaciona con Wilmar (Juan David Restrepo), otro joven sicario. El vínculo sentimental se desarrolla en medio de asesinatos, venganzas y una violencia que parece haberse incorporado a la vida cotidiana de la Medellín de finales del siglo XX.
Tuvo su estreno mundial en septiembre del 2000 el Festival de Cine de Telluride. En su paso por Venecia, obtuvo la Medalla de Oro de la presidencia del senado italiano. Posteriormente, circuló por festivales internacionales y obtuvo distintos reconocimientos. Su estreno comercial en Colombia fue en noviembre del 2000. La película tuvo una importante repercusión mediática por su representación de la violencia de Medellín y por su relación homosexual entre un hombre adulto y un adolescente. Su recepción fue amplia y polémica en Colombia, donde algunos sectores la consideraron un retrato doloroso de la realidad mientras otros la acusaron de brutalidad y sensacionalismo.
Llueve sobre Babel
Película de 2025 escrita y dirigida por la cineasta colombo-española Gala del Sol (Natalia Hermida), quien también participó en la producción y el montaje. Es una cinta de fantasía, drama y comedia, con una estética que la propia producción define como “trópico-punk”. La producción estuvo a cargo de Gala del Sol, H.A. Hermida, Felipe Aguilar Rodríguez, entre otros, en una coproducción entre Colombia, Estados Unidos y España. El reparto incluye a Jhon Narváez, Felipe Aguilar Rodríguez, Jhon Bayron Quintero, John Alex Castillo, Sarai Rebolledo, William Hurtado, Johan Zapata, Celina Biurrun, Sofía Buenaventura, entre otros. La película emplea el humor negro para abordar la muerte, la religión, la resiliencia y el autodescubrimiento.
La historia se desarrolla en Babel, un bar nocturno de Cali que funciona simultáneamente como club, refugio y una especie de purgatorio. Allí confluyen personajes cuyas vidas están marcadas por el deseo, la marginalidad y la búsqueda de una segunda oportunidad, mientras La Flaca (Sarai Rebolledo), una representación sensual y juguetona de la Muerte, permite a las almas apostar años de su vida para intentar modificar su destino. Entre las historias destaca Jacob (William Hurtado), artista drag que mantiene una doble identidad debido a que es hijo de un pastor cristiano abiertamente homofóbico. Inspirada libremente en el Infierno de Dante, la película mezcla realismo mágico, fantasía y cultura queer para construir una representación fantástica de Cali.
Tuvo su estreno mundial en enero de 2025 en el Festival de Sundance y posteriormente se presentó en distintos festivales internacionales. Entre los reconocimientos obtenidos figuran el Premio Maguey a Mejor película en el Festival de Cine de Guadalajara, el Premio Sebastiane Latino en el Festival de San Sebastián y el Golden Gate Award en el Festival de San Francisco. En Colombia fue seleccionada como la película que representará al país en los Oscar 2027. Su relevancia cultural está especialmente relacionada con su representación queer y latinoamericana que combina la identidad caleña, la música latina, el realismo mágico y la estética punk para hablar de supervivencia y libertad.
Mariposas verdes
Es un drama juvenil colombiano de 2017 dirigido y producido por Gustavo Nieto Roa, quien también participó en el guion junto con Idania Velásquez, Katalina Boham y Mauricio Pichardo. La producción estuvo a cargo de Productora LAP S.A.S./Centauro Films y está protagonizada por Deivi Duarte y Kevin Bury, junto con Cecilia Suárez, María Helena Döering, Julio Bracho, Juan Pablo Gamboa y Juliana Rendon. A través de un romance adolescente, la película aborda el acoso escolar, la homofobia, la discriminación, la intolerancia y las consecuencias de la violencia psicológica.
La historia se centra en Mateo (Deivi Duarte), un estudiante sobresaliente de último año de bachillerato. Mientras mantiene inicialmente un vínculo con Lorena (Juliana Rendon), descubre que siente una conexión sentimental con Daniel (Kevin Bury), su compañero de colegio, y ambos comienzan una relación que intentan mantener en secreto. Cuando Lorena revela la relación a sus compañeros, la situación llega a conocimiento de la rectora y desencadena una serie de acontecimientos que llevan a Mateo a tomar una decisión drástica. La película fue presentada como una obra de ficción inspirada en casos reales de acoso y discriminación, aunque su relación con el caso del adolescente Sergio Urrego dio lugar posteriormente a un importante proceso judicial.
La cinta se estrenó comercialmente en Colombia en julio de 2017 e impulsó la discusión pública sobre el acoso y la discriminación contra jóvenes LGBTQ+ en las instituciones educativas. También afrontó controversia por sus referencias a la historia de Sergio Urrego, un joven colombiano que se suicidó tras ser víctima de homofobia. El padre de Urrego presentó una tutela para intentar impedir la exhibición, pero la Corte Constitucional determinó que aunque la película utilizaba elementos identificables de la historia de Urrego, ello no vulneraba sus derechos fundamentales a la imagen, intimidad y buen nombre y mantuvo la protección de la libertad de expresión artística.
Petit mal
Drama romántico de 2022 escrito y dirigido por la cineasta colombo-española Ruth Caudeli, quien también interpreta a Laia y participa como productora. La producción estuvo a cargo de Ruth Caudeli, Sara Larrota y Silvia Varón, para Ovella Blava Films, y está protagonizada por Silvia Varón, Ana María Otálora y Ruth Caudeli. La cinta se centra en la experiencia de una relación poliamorosa entre tres mujeres y explora el amor, los celos, la intimidad, la convivencia, la soledad y la dinámica de una relación no monógama.
La historia sigue a Martina (Silvia Varón), Laia (Ruth Caudeli) y Anto (Ana María Otálora), tres mujeres que mantienen una relación amorosa y conviven como una pareja de tres. Su dinámica cambia cuando Laia debe marcharse durante un periodo prolongado para trabajar en un proyecto cinematográfico, dejando temporalmente a Martina y Anto solas. La ausencia obliga a las dos a redefinir su relación y a enfrentarse a sentimientos de soledad, celos e inseguridad, mientras intentan preservar el vínculo que une a las tres. La película utiliza una aproximación cercana y casi documental para explorar cómo una relación puede adaptarse cuando cambia su estructura, sin presentar el poliamor exclusivamente desde el conflicto.
Tuvo su estreno mundial en junio de 2022 en la sección Viewpoints del Festival de Tribeca. Posteriormente fue seleccionada en festivales como Guadalajara, San Sebastián, Frameline San Francisco, entre otros. En su paso por festivales, la película recibió distintas nominaciones a premios principales y una crítica muy favorable. Su relevancia radica en su aproximación a una relación poliamorosa entre mujeres desde la cotidianidad, incorporando una forma de organización afectiva todavía poco representada en el cine latinoamericano.
Segunda estrella a la derecha
Película de drama con elementos de comedia estrenada en 2019. Fue dirigida por Ruth Caudeli, quien escribió el guion junto con Silvia Varón y también figura como productora ejecutiva. La producción estuvo a cargo de Sara Larrota, para Ovella Blava Films en colaboración con la Universidad Jorge Tadeo Lozano. Está protagonizada por Silvia Varón, acompañada por Diana Wiswell Alejandra Lara, Lorena Castellanos, Ximena Rodríguez y Andrés Jiménez. La película aborda la bisexualidad, la amistad entre mujeres, el amor, la sexualidad, la presión social por ajustarse a modelos convencionales de vida adulta y la crisis de identidad que puede acompañar a quienes no desean seguir ese camino.
La historia sigue a Emilia (Silvia Varón), una actriz y profesora de actuación bisexual de unos treinta años que todavía vive con su madre y mantiene una relación complicada con Mariana (Diana Wiswell), mientras sus amigas parecen tener una vida convencional realizada: matrimonio, hijos, estabilidad económica y trabajos exitosos. Cuando Emilia pierde su empleo, se ve obligada a replantearse su manera de vivir y a enfrentarse a las expectativas que su entorno deposita sobre ella. Sin embargo, una despedida de soltera organizada por sus amigas termina revelando que, detrás de esas vidas aparentemente perfectas, también existen frustraciones, dudas y deseos ocultos.
La película tuvo su estreno mundial en abril de 2019 en el Festival de Cine Wicked Queer de Boston y posteriormente fue seleccionada para el 67.º Festival de San Sebastián, donde fue candidata al Premio Sebastiane Latino. Su estreno comercial en Colombia estaba previsto para el 12 de marzo de 2020, aunque la pandemia de COVID-19 limitó considerablemente su exhibición en salas. A pesar de su distribución limitada, la película obtuvo criticas muy positivas, destacando su retrato de la amistad y la desorientación existencial frante a las expectativas sociales.
Señorita María, la falda de la montaña
Película documental de 2017 escrita, dirigida, fotografiada y parcialmente montada por Rubén Mendoza, con producción de Amanda Sarmiento y producción ejecutiva de la propia Sarmiento. La única protagonista es María Luisa Fuentes, una campesina de Boavita, Boyacá, cuya vida es documentada durante varios años. La cinta ofrece una mirada íntima a la vida de una mujer trans en un entorno rural conservador y católico y aborda temas como la identidad de género, la discriminación, la soledad, la religión, la familia y la resistencia frente a la exclusión social.
La película presenta la vida cotidiana de María Luisa, quien nació siendo identificada como niño, pero desde joven asumió su identidad como mujer y decidió vivir públicamente como tal. Radicada en las montañas de Boavita, trabaja la tierra, cuida animales y mantiene una profunda devoción religiosa, mientras convive con el recuerdo del rechazo y el maltrato que sufrió por parte de su entorno. Mendoza se acerca progresivamente a ella y, mediante conversaciones con María Luisa, familiares y habitantes de la comunidad, reconstruye su historia personal y familiar. El documental evita reducirla a las dificultades que ha enfrentado y aborda también su fortaleza, espiritualidad y su relación con la naturaleza y el mundo.
La cinta tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) en marzo de 2017 y posteriormente fue seleccionada en festivales como Locarno, IDFA, DOCSMX, Amiens, Trento y MoMA DocFortnight, entre otros. En su paso por muestras de cine, obtuvo un gran número de nominaciones y varios reconocimientos. Su estreno comercial colombiano fue en noviembre de 2017. La obra destaca por explorar la experiencia de una mujer trans campesina en un territorio rural colombiano, alejándose de representaciones urbanas más habituales de la diversidad sexual y de género.
Transfariana
Cinta documental franco-colombiana de 2023 dirigida, escrita y coeditada por el cineasta francés Joris Lachaise, con producción de Raphaèle Dumas, Line Peyron y Guillermo Quintero, y coproducción de Anahí Farfán. La película tiene como protagonistas a Laura Katalina Zamora, Jaison Murillo y Daniela Maldonado, entre otras personas vinculadas con la historia. Con la reconstrucción de una historia real, el documental aborda el amor, la identidad de género, los derechos de las personas trans, el trabajo sexual, la violencia política, la discriminación y el proceso de paz colombiano.
La película reconstruye la relación entre Jaison Murillo, antiguo comandante y portavoz de las FARC que permaneció 14 años en la prisión de La Picota, y Laura Zamora, mujer trans y antigua trabajadora sexual condenada a 52 años de prisión, quienes se conocen en la cárcel y se enamoran. Su relación provoca tensiones y rechazo dentro de las FARC, pero la organización termina respaldando su matrimonio como un gesto simbólico de compromiso con los derechos de la comunidad LGBTQ+ en un momento en que se desarrollaban las negociaciones de paz de La Habana. Tras la liberación de Jaison, la película amplía su mirada hacia el encuentro entre excombatientes, activistas trans y trabajadoras sexuales de Bogotá, como Daniela Maldonado, conectando sus experiencias de discriminación con las transformaciones políticas del país.
Se estrenó en febrero de 2023 en la sección Panorama Dokumente del Festival de Cines de Berlín, donde fue nominada al Teddy Award al mejor documental. Entre los premios más relevantes, obtuvo el Premio Sebastiane Latino 2023 del Festival de Cine de San Sebastián. Su estreno comercial en Colombia tuvo lugar en octubre de 2023. La gran virtud de la producción está en vincular la historia del conflicto armado y el proceso de paz de Colombia con las experiencias de las personas trans y trabajadoras sexuales, mostrando un espacio de encuentro poco habitual en el cine documental sobre la historia de las FARC.
Un varón
Es la ópera prima del colombiano Fabián Hernández, quien escribió y dirigió la película, producida por Manuel Ruiz Montealegre para Medio de Contención Producciones, en coproducción con empresas de Francia, Países Bajos y Alemania. Está protagonizada por Dylan Felipe Ramírez Espitia, junto con Jhonathan Steven Rodríguez, Jesus Alberto Cuero y Juanita Carrillo. Se trata de un drama de ficción que explora la adolescencia, la violencia urbana y las presiones de la masculinidad hegemónica. La película parte de experiencias personales de Hernández en Bogotá para cuestionar los códigos sociales que obligan a los jóvenes a demostrar constantemente su “hombría”.
La historia sigue a Carlos (Dylan Felipe Ramírez), un adolescente que vive en un hogar para jóvenes en el centro de Bogotá y desea pasar la Navidad con su madre y su hermana. Al salir del internado, se encuentra con un entorno dominado por la violencia y una concepción rígida de la hombría: imponerse, no mostrar vulnerabilidad y hacerse respetar mediante la fuerza. Mientras intenta sobrevivir a las dinámicas de su barrio y acercarse a su familia, Carlos debe decidir entre adoptar esos códigos de masculinidad o escucharse a sí mismo. La película adquiere una dimensión queer al presentar el conflicto entre la identidad del protagonista y las expectativas heteronormativas y violentas de su entorno.
Tuvo su estreno mundial en mayo de 2022 en el Festival de Cine de Cannes, donde fue seleccionada para competir por la Caméra d’Or y la Queer Palm. Posteriormente obtuvo una importante cosecha de nominaciones y reconocimientos en festivales internacionales. En Colombia se estrenó comercialmente en abril de 2023 y ese mismo año fue seleccionada por la Academia Colombiana de Cine para representar al país en la categoría de Mejor película internacional de los Oscar 2024. La crítica reconoció su contribución en la exploración de la realidad de jóvenes de sectores vulnerables del centro de Bogotá y su cuestionamiento de las formas violentas de construcción de la masculinidad.
Yo, imposible
Película dramática de ficción de 2018 coproducida por Venezuela y Colombia. Fue dirigida por la cineasta venezolana Patricia Ortega, quien también la coescribió con Enmanuel Chávez. La producción estuvo a cargo de Patricia Ortega, Jhonny Hendrix Hinestroza, Laura Barbosa y Damien Girón, a través de Mandrágora Films (Venezuela) y Antorcha Films (Colombia). Está protagonizada por Lucía Bedoya, junto con Belkis Avilladares y María Elena Duque. La película explora la intersexualidad, la autonomía corporal, la identidad, las normas de género, la discriminación y la presión social y familiar para ajustarse al binarismo de género. Su directora explicó que la historia fue una oportunidad para cuestionar el género como construcción social.
La protagonista, Ariel (Lucía Bedoya), es una joven modista y profundamente religiosa que, después de experimentar un encuentro sexual doloroso con un hombre, comienza a investigar qué ocurre con su cuerpo. Entonces descubre que nació con características sexuales intersexuales y que, cuando era bebé, fue sometida a intervenciones quirúrgicas destinadas a modificar su cuerpo para criarla como una niña. La revelación la enfrenta con su propia historia y la resistencia de su madre, mientras establece una relación con Ana (Belkis Avilladares), una compañera de trabajo. A partir ahí, Ariel debe decidir cómo vivir su identidad y hasta qué punto continuar sometiéndose a las expectativas sociales sobre lo que significa ser mujer.
Se estrenó mundialmente en octubre de 2018 en la Semana Internacional de Cine de Valladolid, donde recibió la Espiga Arcoíris, otorgada por su tratamiento de la intersexualidad. Posteriormente pasó por festivales como La Habana, SXSW, Chicago, Vancouver y Cali. En su recorrido, recibió distintos reconocimientos y una crítica muy favorable. Además, Venezuela la seleccionó como su representante para competir por una nominación al Óscar a Mejor Película Internacional en 2020. La relevancia de la cinta radica en su visibilización de las personas intersexuales en el cine latinoamericano, una realidad históricamente invisibilizada, y su contribución para ampliar el debate sobre autonomía corporal, identidad y diversidad sexual.
