El cine LGBTQ+ chileno constituye uno de los movimientos cinematográficos más sólidos e influyentes de América Latina. Aunque la presencia de personajes gais comenzó a hacerse visible a inicios de la década de 1990, poco después del retorno a la democracia, durante muchos años estas representaciones fueron escasas y secundarias. El verdadero punto de inflexión llegó a partir de la década de 2010, cuando una nueva generación de cineastas comenzó a colocar las experiencias de personas lesbianas, gais, bisexuales y trans en el centro de sus relatos.
Distintas investigaciones académicas y estudios sobre el cine chileno coinciden en que el aumento de la representación LGBTQ+ estuvo estrechamente ligado al proceso de democratización del país, a la disminución de la influencia de la censura heredada de la dictadura y al fortalecimiento de los movimientos por los derechos LGBTQ+. Estas condiciones permitieron abordar estas historias con mayor libertad y complejidad.
Una de las características principales del cine LGBTQ+ chileno es que pocas veces presenta la diversidad sexual y de género como un elemento aislado. En sus películas, la exploración de la orientación sexual o la identidad de género se combina con conflictos familiares, disputas legales, traumas derivados de la dictadura o críticas a instituciones tradicionalmente conservadoras, especialmente la Iglesia y el modelo familiar hegemónico. Diversos estudios sostienen que el cine queer chileno ha utilizado el relato de formación y la memoria de la posdictadura para cuestionar las estructuras sociales y políticas heredadas del régimen militar.
Otro de sus rasgos distintivos es la diversidad de identidades representadas. Mientras que gran parte del cine LGBTQ+ latinoamericano de finales del siglo XX se concentró casi exclusivamente en personajes gais masculinos, la producción chilena ha incorporado con relativa rapidez protagonistas lesbianas, bisexuales, personas trans, travestis y familias homoparentales. La pluralidad de historias y perspectivas ha convertido al cine chileno en uno de los más diversos de la región en cuanto a representación LGBTQ+.
En términos de producción, la mayor parte de estas películas surgieron del cine independiente y de coproducciones internacionales, especialmente con Argentina, México, Alemania, España, Francia, entre otros. Las productoras independientes, al igual que los fondos de cultura estatales y las redes de festivales internacionales, han desempeñado un papel decisivo en su desarrollo. Además, su circulación en festivales internacionales ha permitido que muchas de estas obras obtengan fondos, distribución y reconocimiento fuera de Chile, compensando las limitaciones de un mercado interno relativamente pequeño.
En el panorama internacional, el cine LGBTQ+ chileno ocupa hoy un lugar relevante. Su principal aportación ha sido combinar historias profundamente personales con una reflexión política sobre la memoria, la democracia, los derechos humanos y la diversidad sexual. Su capacidad para articular intimidad, crítica social y una elevada calidad artística explica que el cine queer chileno sea considerado uno de los más innovadores e influyentes del siglo XXI en Latinoamérica y un referente habitual en los estudios académicos sobre cine y diversidad sexual. A continuación, te presentamos una lista de nuestras cintas favoritas.
El hombre nuevo
Es una cinta documental coproducida por Chile y Uruguay estrenada en 2015. Fue escrita y dirigida por Aldo Garay y producida por Micaela Solé. La protagonista es Stephania Mirza Curbelo, una mujer trans nicaragüense cuya propia historia da forma al relato. Combinando un retrato íntimo sobre las vivencias de la protagonista con una reflexión sobre la historia reciente de América Latina, la película explora la identidad de género, la transición, la migración, la militancia política y la búsqueda de aceptación.
La película sigue a Stephania, una niña nicaragüense que fue adoptada por una pareja de militantes de izquierda uruguayos durante la Revolución Sandinista. Tras vivir gran parte de su vida en Montevideo y enfrentarse a la pobreza, la discriminación y el trabajo sexual, emprende un viaje de regreso a su país natal con la esperanza de reconciliarse con su pasado y reencontrarse con su familia biológica como la mujer que siempre ha sido. A través de un seguimiento documental de más de dos décadas, Garay construye un retrato profundamente humano sobre la identidad, la resiliencia y el derecho a ser reconocida.
El hombre nuevo tuvo su estreno mundial en febrero de 2015 en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale), donde obtuvo el Teddy Award al Mejor documental. Posteriormente, tras un amplio recorrido por más de 80 festivales internacionales, llegó a las salas chilenas en junio de 2016. La película se convirtió en una de las obras latinoamericanas más importantes sobre la experiencia trans al ofrecer una representación digna y compleja que se aleja de los estereotipos y contribuye a ampliar la visibilidad de las personas trans en el cine documental contemporáneo.
El príncipe
La cinta es un drama carcelario de 2019 dirigido por Sebastián Muñoz, quien coescribió el guion junto con Luis Barrales, basado en la novela homónima de Mario Cruz. La película fue producida por Marianne Mayer-Beckh, Roberto Doveris y Nicolás Grosso como una coproducción entre Chile, Argentina y Bélgica. Está protagonizada por Juan Carlos Maldonado, Alfredo Castro y Gastón Pauls. Ambientada en el Chile de 1970, la cinta explora el deseo, las relaciones de poder, la violencia, la masculinidad y la búsqueda de afecto en el entorno opresivo de una prisión.
La historia sigue a Jaime, un joven que, tras asesinar a su mejor amigo en un aparente arrebato pasional, es condenado a prisión. Allí conoce a El Potro, un recluso veterano y respetado que lo toma bajo su protección y le da el apodo de “El Príncipe”. Mientras aprende a sobrevivir entre las jerarquías y la violencia de la cárcel, Jaime descubre nuevas formas de afecto y deseo, enfrentándose a una compleja red de lealtades, rivalidades y luchas por el poder que transforman su percepción de sí mismo y de su identidad sexual.
La película tuvo su estreno mundial en la Semana Internacional de la Crítica del Festival de Cine de Venecia en septiembre de 2019, donde se hizo con el Queer Lion, el prestigioso premio a la mejor película LGBTQ+ del Festival. Posteriormente fue seleccionada en festivales como San Sebastián, Busan, Chicago y Valdivia, antes de su estreno comercial en Chile en 2020. Considerada una de las producciones queer más importantes del cine chileno reciente, fue ampliamente elogiada por su exploración abierta de la sexualidad y el poder, así como por las interpretaciones de Juan Carlos Maldonado y Alfredo Castro.
Ema
Se trata de un drama romántico y psicológico de 2019 dirigido por Pablo Larraín, quien también lo coescribió junto a Guillermo Calderón y Alejandro Moreno. La película fue producida por Juan de Dios Larraín para la productora Fabula y está protagonizada por Mariana Di Girolamo, Gael García Bernal, Santiago Cabrera, Paola Giannini, Catalina Saavedra y Paula Luchsinger. La película es un retrato provocador de la sexualidad y las relaciones no convencionales, que explora temas como la maternidad y la paternidad adoptiva, la culpa, el deseo, la libertad sexual, el arte y las estructuras familiares contemporáneas.
Ambientada en la ciudad de Valparaíso, la historia sigue a Ema, una joven bailarina de reguetón que decide separarse de su esposo Gastón después de que ambos renuncian a la custodia de Polo, el hijo que habían adoptado y no pudieron criar tras un grave incidente. Mientras intenta sobreponerse al sentimiento de culpa, Ema inicia una serie de relaciones afectivas y sexuales que parecen responder a un impulso de liberación personal, aunque en realidad forman parte de un elaborado plan para recuperar al niño y reconstruir su familia bajo sus propias reglas. La película combina el drama con una intensa puesta en escena marcada por la danza urbana y la música de Nicolás Jaar.
Tuvo su estreno mundial en agosto de 2019 en la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Venecia y llegó a los cines chilenos en septiembre de 2019. En su paso por festivales internacionales recibió distintas nominaciones, algunos galardones y una crítica muy positiva. La crítica destacó la audaz interpretación de Mariana Di Girolamo, la dirección visual de Pablo Larraín y su aproximación poco convencional a los vínculos afectivos, convirtiéndola en una de las películas chilenas más comentadas de su año de estreno.
En la gama de los grises
Es un drama romántico estrenado en 2015. Fue dirigido por Claudio Marcone, escrito por Rodrigo Antonio Norero y producido por Luis Cifuentes Saravia. Está protagonizada por Francisco Celhay, Emilio Edwards y Daniela Ramírez. Es la ópera prima de su director y aborda temas como la represión de la sexual, el matrimonio, la paternidad y el conflicto con las expectativas sociales. En la gama de los grises es una de las primeras producciones chilenas en tratar con naturalidad el conflicto identitario y la salida del clóset de un hombre adulto casado.
La historia sigue a Bruno, un arquitecto de 35 años que aparentemente lleva una vida perfecta junto a su esposa e hijo, pero que atraviesa una profunda crisis existencial. Mientras desarrolla un proyecto urbano en Santiago conoce a Fer, un joven profesor de Historia con quien establece una relación que evoluciona hacia un romance inesperado. A medida que ambos recorren la ciudad y estrechan su vínculo, Bruno se enfrenta a la necesidad de cuestionar la vida que ha construido y de aceptar una faceta de su identidad que había permanecido reprimida durante años.
Tuvo su estreno internacional en marzo de 2015 en el Festival Internacional de Cine de Miami y llegó a los cines chilenos en octubre de ese año. Obtuvo el premio a la Mejor ópera prima en el Festival de Miami y el galardón a Mejor película en el Festival de Cine LGBTQ+ Frameline de San Francisco, además de participar en certámenes como Guadalajara, San Sebastián y Torino. Su estreno coincidió con un momento de importantes avances en los derechos LGBTQ+ en Chile, como la entrada en vigor del Acuerdo de Unión Civil, por lo que recibió una amplia atención mediática al presentar una historia de amor entre hombres alejada de los estereotipos convencionales.
Joven y alocada
Esta comedia dramática de 2012 fue dirigida por Marialy Rivas y coescrita por Camila Gutiérrez, Marialy Rivas, Pedro Peirano, Sebastián Sepúlveda y María José Viera-Gallo, inspirada en el exitoso blog autobiográfico de Gutiérrez. La película fue producida por Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín para la productora Fábula y está protagonizada por Alicia Rodríguez, María Gracia Omegna, Felipe Pinto y Aline Küppenheim. A través de un drama de transición a la adultez, la cinta aborda temas como la bisexualidad, el despertar sexual, la identidad, el feminismo y el conflicto entre el deseo y las normas familiares y religiosas.
La historia sigue a Daniela, una adolescente de 17 años criada en una familia evangélica estricta de Santiago, quien escribe un blog donde relata sin filtros sus experiencias emocionales y sexuales. Tras ser castigada por sus padres debido a su comportamiento “pecaminoso”, intenta reconciliar su fe con su creciente deseo de vivir libremente su sexualidad. Sin embargo, su mundo cambia cuando se enamora de Antonia, una joven con quien descubre una nueva dimensión de su identidad afectiva, mientras mantiene una relación con su novio Tomás y cuestiona las creencias con las que ha sido educada.
Tuvo su estreno mundial en enero de 2012 en el Festival de Cine de Sundance y llegó a los cines chilenos en marzo de 2012. Obtuvo el Premio de mejor guion internacional en Sundance, el Premio Sebastiane del Festival de San Sebastián a la mejor película de temática LGBTQ+ y numerosos reconocimientos internacionales. La obra destacó por ofrecer una representación fresca y compleja de la bisexualidad femenina en un contexto profundamente conservador, abriendo un debate sobre la sexualidad, la religión y la autonomía de las mujeres jóvenes en Chile.
La misteriosa mirada del flamenco
Drama chileno con elementos de realismo mágico de 2025 escrito y dirigido por Diego Céspedes, en su primer largometraje de ficción. Se trata de una coproducción entre Chile, Francia, Alemania, España y Bélgica, encabezada por las productoras Quijote Films y Les Valseurs, con Giancarlo Nasi, Damien Megherbi y Justin Pechberty entre sus principales productores. Está protagonizada por Tamara Cortés, Matías Catalán y Paula Dinamarca. Ambientada en un pueblo del desierto del norte de Chile durante la década de 1980, la cinta explora la identidad trans, las familias elegidas, el estigma en torno al VIH/SIDA, la discriminación y el miedo colectivo a lo desconocido.
La historia sigue a Lidia, una niña de once años criada por una familia conformada por mujeres trans y personas queer en un pueblo minero aislado. Cuando una misteriosa enfermedad comienza a propagarse por la comunidad, los habitantes difunden el rumor de que el contagio ocurre cuando dos hombres se enamoran y se miran a los ojos. Mientras los prejuicios y el miedo convierten a su familia en el blanco de la persecución, Lidia intenta comprender el origen de la enfermedad y desafiar las supersticiones que amenazan con destruir a quienes más ama. Desde una mirada poética, la película reflexiona sobre la epidemia del VIH/SIDA y el impacto del estigma sobre las personas LGBTQ+.
Se estrenó en mayo de 2025 en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes, donde obtuvo el Premio Un Certain Regard, convirtiéndose en la primera película chilena en ganar ese galardón. Posteriormente fue seleccionada por la Academia de Cine de Chile como la representante del país para competir por el Premio Óscar a la Mejor película internacional y el Premio Goya a la Mejor película iberoamericana. La crítica reconoció su forma única de combinar realismo mágico, memoria histórica y una representación profundamente humana de las comunidades trans durante los primeros años de la crisis del SIDA.
La nave del olvido
Distribuido internacionalmente como “Forgotten Roads”, este drama romántico de 2020 fue escrito y dirigido por Nicol Ruiz Benavides, en su ópera prima como realizadora de largometrajes. La película fue producida por Nicol Ruiz Benavides, Catalina Fontecilla, Víctor Rojas y Sebastián Radic para Alen Cine, y está protagonizada por Rosa Ramírez, Romana Satt y Gabriela Arancibia. A través del desarrollo de un romance entre dos mujeres de la tercera edad, la cinta aborda la libertad personal, el duelo, el peso de las normas sociales y religiosas y la búsqueda de identidad.
Ambientada en la localidad conservadora de Lautaro, la película sigue a Claudina, una mujer de 70 años que, tras la muerte de su esposo, abandona la rutina que había marcado toda su vida. Tras mudarse con su hija y su nieto por dificultades económicas, Claudina conoce a Elsa, una vecina independiente que canta en un bar clandestino. Lo que comienza como una amistad se transforma en una relación amorosa que impulsa a Claudina a cuestionar décadas de represión emocional y a enfrentarse al juicio social, mientras emprende un proceso de autodescubrimiento y emancipación.
La película tuvo su estreno mundial en septiembre de 2020 en el Festival de Cine LGBTQ+ Frameline de San Francisco y posteriormente tuvo su estreno comercial en Chile en enero de 2022. A lo largo de su recorrido por festivales obtuvo numerosos reconocimientos, entre ellos el Colón de Plata a la Mejor dirección en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva y el premio a Mejor dirección en el Festival SANFIC. Su delicado retrato del amor lésbico en la tercera edad fue ampliamente elogiado por la crítica y la convirtió en una de las películas LGBTQ+ chilenas más importantes de los últimos años.
Lemebel
Lemebel es un documental biográfico de 2019 dirigido y escrito por Joanna Reposi Garibaldi, quien desarrolló el proyecto durante casi dos décadas junto al propio Pedro Lemebel. El guion fue elaborado por Reposi con textos de Manuel Maira y fue producida por James Ashley-Turner Hall, Paula Sáenz-Laguna y Paz Urrutia. Está protagonizada por el propio Pedro Lemebel. A través de entrevistas, registros de archivo y material filmado durante los últimos años de su vida, el documental aborda la memoria histórica, la disidencia sexual, el activismo queer, el arte performance, la lucha contra la dictadura de Augusto Pinochet y la enfermedad que marcó los últimos años del artista.
La película ofrece un retrato íntimo y político de Pedro Lemebel, uno de los artistas y escritores más influyentes de Chile y pionero del movimiento queer en América Latina. A partir de conversaciones personales, actuaciones, lecturas de sus textos, abundante material de archivo y el seguimiento de su batalla contra el cáncer que acabaría con su vida en 2015, el documental reconstruye su trayectoria desde las provocadoras acciones del colectivo Las Yeguas del Apocalipsis hasta su consolidación como una voz imprescindible en la defensa de los derechos humanos y de las diversidades sexuales.
Tuvo su estreno mundial en febrero de 2019 en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín, donde ganó el Teddy Award al Mejor documental. Se estrenó comercialmente en Chile en septiembre de ese mismo año. Entre otros galardones, obtuvo el premio de la Competencia Nacional del SANFIC 2019 y una mención honorífica en OutfestPerú 2020. Su gran relevancia cultural radica en preservar el legado de Pedro Lemebel, cuya obra transformó la literatura, el arte de acción y el activismo LGBTQ+ latinoamericano. El documental fue ampliamente celebrado por la crítica y contribuyó a revitalizar el interés por la figura de Lemebel entre las nuevas generaciones.
Nasty Baby
Titulada “Guagua cochina” en Chile y “Nasty Baby” en el resto del mundo, es una película de drama con elementos de comedia negra y thriller psicológico coproducido entre Chile y Estados Unidos. Fue escrita y dirigida por Sebastián Silva. La cinta fue producida por Charlie Dibe, David Hinojosa, Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín y Julia Oh y está protagonizada por Sebastián Silva, Tunde Adebimpe y Kristen Wiig. Ambientada en Nueva York, la historia explora temas como la homoparentalidad, la reproducción asistida, la gentrificación y la intolerancia.
La historia sigue a Freddy, un artista chileno residente en Nueva York, y a su pareja Mo, quienes intentan tener un hijo con la ayuda de su mejor amiga, Polly, que se ofrece como gestante. Mientras los tres imaginan una nueva forma de familia, su vida cotidiana se ve alterada por el acoso constante de un vecino conocido como “The Bishop”. Lo que comienza como un drama sobre el deseo de ser padres evoluciona hacia un relato mucho más oscuro cuando un acto de violencia desencadena una serie de dilemas morales que pondrán a prueba los límites de sus relaciones y de su propia humanidad.
Nasty Baby se estrenó en enero de 2015 en el Festival de Cine de Sundance y posteriormente fue seleccionada para la sección Panorama de la 65.ª Berlinale, donde obtuvo el Teddy Award al Mejor largometraje. En Chile se estrenó comercialmente en diciembre de 2015. Aunque dividió a la crítica por su abrupto cambio de tono, fue ampliamente comentada por desafiar las convenciones del cine LGBTQ+ al alejarse de los relatos tradicionales sobre la identidad sexual para explorar la ambigüedad moral y la violencia. La cinta consolidó a Sebastián Silva como una de las voces más originales del cine chileno contemporáneo y reforzó la presencia internacional del cine queer producido en Chile.
Nunca vas a estar solo
Drama de 2016 escrito y dirigido por Álex Anwandter, en su debut como director de largometrajes. La película fue producida por Isabel Orellana Guarello a través de las productoras Quijote Films, Fabula y Paquidermo Films. Está protagonizada por Sergio Hernández, Andrew Bargsted, Gabriela Hernández y Edgardo Bruna. Inspirada libremente en el caso del joven chileno Daniel Zamudio, asesinado en 2012 tras un ataque homófobo, la cinta explora la violencia por prejuicios, la homofobia, las desigualdades sociales y la búsqueda de justicia en un contexto marcado por la discriminación.
La trama sigue a Juan, un hombre introvertido que dirige una fábrica de maniquíes. Su vida cambia radicalmente cuando su hijo adolescente, Pablo, es víctima de una agresión homófoba brutal que lo deja en estado crítico. Mientras enfrenta los elevados costos médicos y la indiferencia de un sistema que parece incapaz de ofrecer respuestas, Juan emprende un doloroso proceso de transformación personal que lo obliga a replantearse la relación con su hijo y a confrontar los prejuicios y silencios que habían marcado su vínculo familiar. Más que centrarse en el crimen, la cinta explora las consecuencias emocionales y sociales de la violencia y su impacto en los sobrevivientes.
Se estrenó en la sección Panorama del Festival Internacional de Cine de Berlín (Berlinale) 2016, donde obtuvo el Premio del Público de esa sección, uno de los reconocimientos más destacados del certamen. Posteriormente fue exhibida en festivales como Guadalajara, BFI Flare London, Outfest Los Ángeles y San Sebastián, antes de estrenarse comercialmente en Chile en abril de 2016. La crítica elogió la dirección de Álex Anwandter y la interpretación de Sergio Hernández. Además, la película adquirió una notable relevancia cultural al abordar el debate sobre la violencia homófoba en Chile y contribuir a la aprobación de la llamada Ley Zamudio contra la discriminación.
Rara
Rara es un drama de chileno-argentino de 2016 escrito por Alicia Scherson, Marta Loza Alonso y Pepa San Martín, quien también dirigió la película. Fue producida por Macarena López, Marianne Mayer-Beckh, Nicolás Grosso y Federico Sande Novo para Manufactura de Películas y Le Tiro Cine. Está protagonizada por Julia Lübbert, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Emilia Ossandón y Daniel Muñoz. A través de una historia de transición a la adultez, e inspirada libremente en el caso de la jueza chilena Karen Atala, la cinta aborda temas como la maternidad lésbica, la adolescencia, la discriminación, los prejuicios sociales y los conflictos por la custodia de menores.
La historia sigue a Sara, una adolescente de 13 años que vive con su madre Paula, la pareja de esta, Lía, y su hermana menor. Para Sara, su familia es completamente normal y sus principales preocupaciones son las propias de la adolescencia: la escuela, las amistades, los primeros amores y los cambios personales. Sin embargo, la situación se complica cuando su padre cuestiona que las niñas crezcan en un hogar encabezado por una pareja de mujeres e inicia una disputa legal por su custodia, obligando a Sara a enfrentar el peso de los prejuicios de los adultos y a replantearse el significado de la familia.
La película tuvo su estreno mundial en la sección Generation Kplus del Festival Internacional de Cine de Berlín en febrero de 2016 y su estreno comercial en Chile en octubre del mismo año. Fue reconocida con el Gran Premio del Jurado Internacional de Generation Kplus en Berlín, el premio Horizontes Latinos y el Premio Sebastiane Latino en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, entre otros galardones. La crítica reconoció su contribución a normalizar la representación de las familias homoparentales en el cine latinoamericano evitando el sensacionalismo y centrándose en la cotidianidad.
Tengo miedo torero
Se trata de un drama histórico y romántico de 2020 basado en la novela homónima de Pedro Lemebel. La película fue dirigida por Rodrigo Sepúlveda Urzúa, quien escribió el guion junto con Juan Elías Tovar a partir de la obra de Lemebel. Es una coproducción entre Chile, Argentina y México, encabezada por las compañías Forastero, Tornado y Caponeto, con productores como Lucas Engel, Florencia Larrea, entre otros. Está protagonizada por Alfredo Castro, Leonardo Ortizgris, Julieta Zylberberg y Amparo Noguera. La cinta aborda temas como la diversidad sexual y de género, el amor, la resistencia política y la represión durante la dictadura de Pinochet.
Ambientada en Santiago de Chile en 1986, la historia sigue a la Loca del Frente, una travesti de mediana edad que sobrevive realizando trabajos de costura. Su vida se transforma cuando conoce a Carlos, un joven militante del Frente Patriótico Manuel Rodríguez, de quien se enamora profundamente. Sin saberlo al principio, acepta guardar en su casa cajas y documentos utilizados para preparar el atentado contra Augusto Pinochet. Mientras la protagonista vive un amor intenso y esperanzador, queda atrapada entre sus sentimientos y la peligrosa realidad política que la rodea. Un relato donde el romance se entrelaza con uno de los episodios más significativos de la historia de Chile.
Tuvo su estreno mundial en septiembre de 2020 en la sección Giornate degli Autori del Festival Internacional de Cine de Venecia y llegó a los cines comerciales chilenos ese mismo mes. Fue reconocida con el Premio al Mejor actor para Alfredo Castro en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, entre otros galardones. La película llevó al cine por primera vez la novela más célebre de Pedro Lemebel, una figura fundamental de la literatura y el activismo LGBTQ+ latinoamericano, ofreciendo una representación compleja y humana de una protagonista travesti en el contexto de la dictadura chilena.
Una mujer fantástica
Drama de 2017 dirigido por Sebastián Lelio, quien también lo coescribió junto a Eliseo Altunaga y Gonzalo Maza. Fue producido por Juan de Dios Larraín y Pablo Larraín, junto con Sebastián Lelio, a través de Fabula, en coproducción con Komplizen Film y Setembro Cine. Está protagonizada por Daniela Vega, acompañada por Francisco Reyes, Luis Gnecco, Aline Küppenheim, Amparo Noguera y Néstor Cantillana. La cinta tuvo un profundo impacto cultural y mediático al situar en el centro del cine internacional a una protagonista trans interpretada por una actriz trans para abordar temas como la identidad de género, la transfobia, la discriminación y la resiliencia.
La historia sigue a Marina Vidal, una joven mujer trans que trabaja como mesera y aspira a convertirse en cantante. Su vida cambia de forma abrupta cuando Orlando, su pareja y un hombre veinte años mayor que ella, fallece repentinamente. En lugar de poder vivir su duelo con tranquilidad, Marina debe enfrentarse a las sospechas de las autoridades y al rechazo de la familia de Orlando, que cuestiona su identidad y busca excluirla de cualquier despedida. A pesar de la violencia y la humillación que sufre, Marina lucha por preservar su dignidad y afirmar su derecho a ser reconocida como la mujer que es.
La obra tuvo su estreno mundial en febrero de 2017 en el Festival Internacional de Cine de Berlín y se estrenó comercialmente en Chile en abril de ese mismo año. Obtuvo un gran número de reconocimientos entre los que destacan el Oso de Plata al Mejor guion y el Teddy Award en Berlín, el Premio Goya a la Mejor película iberoamericana y el Premio Oscar a la Mejor película en lengua extranjera en 2018. Hasta la fecha, es la única película chilena en ganar un Oscar en esa categoría. Su gran éxito impulsó el debate sobre los derechos de las personas trans en Chile y su impacto contribuyó a la visibilidad que acompañó la aprobación de la Ley de Identidad de Género de 2018.
